From Southern California, Riley Maiden
leads Monsieur Herr, a one-man musical and artistic project
that defines itself as an art-pop “fake band” with anxious overtones, sharp
irony, and a clear taste for eclecticism. Since 2018, this composer has been
writing, recording, and producing songs that blend sonic experimentation, pop
sensibility, and unconventional structures.
In this interview, we talk with Monsieur Herr about his two new tracks, “Uranium Glass” and “Where They
Put Mercury in the Trash”, his influences, the role of humor in
music, and his creative philosophy.
Can you tell us the story behind these two
songs? How did they come about?
Well, “Uranium Glass” is kind of a wordy rumination on peoples’ propensity towards yearning for or romanticizing some imagined past, I suppose is the succinct answer. I liked uranium glass as a metaphor for that sort of thing. An emblem for the past as viewed from the lens of the antique store. Musically, if you’re familiar with the work of Scott Miller (Game Theory/The Loud Family), you might be able to better see where my head was at - in terms of song structure, I based it a lot on stuff like “Waltz the Halls Always” or “I’ve Tried Subtlety,” for example, which are kind of strangely put together. I wanted enough to happen musically across all the sections of “Uranium Glass” to where it kept things interesting through all the repetition. No middle eight!
As for “Where They Put Mercury in the Trash,” the B-side, it sort of tells it as it is. I was visiting my girlfriend in Massachusetts not long ago, and an ad came on the radio encouraging listeners to not put mercury in the trash in the form of a pop song. I was amazed and so thoroughly pleased by it. It made me inexpressibly happy. I knew, eventually, I was going to have to write a song about it. The idea of the title, speaking of Scott Miller, I nicked from the album Interbabe Concern, which closes with a four-song run whose titles all begin with “Where They…”. It’s fun to steal.
Your music seems built on contradictions: humor
and despair, pop and abstraction. Do you feel that defines you?
I don’t know if I’d strictly call it a contradiction. I’m of the opinion that it can all coexist - humor and despair, directness and abstraction, even irony and sincerity - since, really, it’s all a part of the human experience, right? I would say the duality of all those things defines my work more so than the struggle for dominance between them. I know Springsteen wrestled with it, too, before coming to a similar conclusion on The River especially. Tonal whiplash for most people, maybe, but it makes perfect sense to me.
Are there contemporary artists you respect, or
does everything feel like a simulacrum to you?
It’d be unfair to call it a simulacrum, I think. There’s plenty of homogeny, sure, and more than a fair amount of limp and inoffensive background noise, but plenty that sticks out. I have a personal sort of half-joke, half-observation about how pop musicians of the 2020s all have to decide between being Miami Vice or Kid Rock, which I suppose is quite an abstract way of putting it. A lot of it has to do with aesthetics and vibes. For reference, Taylor Swift seems to be one of the only ones that manage to be both at once. But I digress. The Lemon Twigs are probably my favorite “contemporary” band - I imagine I feel the same way as a lot of other bands felt about the Beatles in the 60s, where it’s obvious they’re on a whole other unattainable level - they really are Just That Good. Other than that, I love Zhir Vengersky, Slugbug, Tchotchke… The Weeknd I respect as an artist in the mega-pop landscape, even if he is thoroughly Miami Vice. I count Sparks, probably my favorite non-Beatles band, as contemporaries, too; MAD!, their latest album, I thought was brilliant.
Listening to your discography chronologically,
one hears constant stylistic shifts. How do you decide when to change direction
or explore new sounds?
Part of it’s pretty arbitrary, based on whim. Eclecticism, in my opinion, is a natural impulse, and should be encouraged. I guess it’s the Bowie in me showing - the idea that you don’t have to tie yourself down to any one particular style of music or way of doing things. That you can shift constantly while still maintaining a visible through-line. I like the late David Thomas’s metaphor of comparing Pere Ubu to a cup, so I’ll be stealing it: it’s all the same cup, all the same body of work, just viewed from different angles. One Monsieur Herr album might be the cup viewed from head-on. One might be upside-down. Another might be the view from within the cup. In other words, one album I do might be more direct, another more abstract, for instance. Maybe one will be pretty dour and serious, and the next more lighthearted. Everything I’ve done has been drawn from elements that were always there, I’d say, and it’s a process of finding and showing new angles of the Monsieur Herr cup - rotating the cup, if you will. “If you only know the cup one way, you don’t know the cup.”
Some works seem like covert concept albums. How
important is structure or narrative in your records?
I like that - covert concept albums. It’s definitely not in the Pink Floyd sense of the concept album, where it all follows an overarching linear narrative, but it does help me to have an idea or a concept in mind, even if it’s vague or abstract, when putting together an album. Not all of it is necessarily planned from the beginning, but a lot of it is - I like to have a title, and I like to have cover art from the beginning, sort of to work out the vibe, and to have a foundation from which everything else can be built on top of. As for structure, I do take great care in making sure everything is in its right place - I know if I don’t, I’ll come to regret it. At the end of the day, it’s Music for Overthinkers, which is really the crux of the matter.
Conversamos con Riley Maiden y
el universo mutante de MONSIEUR HERR
Desde el sur de California, Riley
Maiden lleva adelante Monsieur Herr, un proyecto musical y artístico
unipersonal que se define a sí mismo como una “banda falsa” de art-pop con
tintes ansiosos, ironía punzante y un claro gusto por el eclecticismo. Desde
2018, este compositor escribe, graba y produce canciones que combinan
experimentación sonora, sensibilidad pop y estructuras poco convencionales.
En esta entrevista, conversamos
con Monsieur Herr sobre sus dos nuevos temas, “Uranium Glass” y “Where They Put
Mercury in the Trash”, sus influencias, el humor en la música, y su filosofía
creativa.
¿Puedes contarnos la historia
detrás de estas dos canciones? ¿Cómo surgieron?
Bueno, “Uranium Glass” es una especie de reflexión palabrera sobre la tendencia de las personas a añorar o romantizar algún pasado imaginado, supongo que esa sería la respuesta concisa. Me gustó el vidrio de uranio como una metáfora para ese tipo de cosas. Un emblema del pasado visto a través del lente de una tienda de antigüedades. Musicalmente, si estás familiarizado con el trabajo de Scott Miller (Game Theory/The Loud Family), quizá puedas entender mejor en qué estaba pensando: en cuanto a la estructura de la canción, me basé mucho en cosas como “Waltz the Halls Always” o “I’ve Tried Subtlety”, por ejemplo, que están armadas de formas algo extrañas. Quería que ocurrieran suficientes cosas musicalmente en todas las secciones de “Uranium Glass” como para mantener el interés a pesar de la repetición. ¡Sin puente musical!
En cuanto a “Where They Put Mercury in the Trash”, el lado B, es más bien lo que parece. Estaba visitando a mi novia en Massachusetts hace poco, y escuché un anuncio en la radio que animaba a los oyentes a no tirar mercurio a la basura, presentado en forma de canción pop. Me pareció increíble y me hizo inefablemente feliz. Supe que, tarde o temprano, iba a tener que escribir una canción al respecto. La idea del título, hablando de Scott Miller, la tomé prestada del álbum Interbabe Concern, que termina con una serie de cuatro canciones cuyos títulos empiezan con “Where They…”. Robar es divertido.
Tu música parece construida
sobre contradicciones: humor y desesperación, pop y abstracción. ¿Sientes que
eso te define?
No sé si lo llamaría estrictamente una contradicción. Soy de la opinión de que todo puede coexistir: el humor y la desesperación, la claridad y la abstracción, incluso la ironía y la sinceridad, ya que, en realidad, todo forma parte de la experiencia humana, ¿no? Diría que la dualidad de todas esas cosas define mi trabajo más que una lucha por el dominio entre ellas. Sé que Springsteen también lidió con eso, antes de llegar a una conclusión similar, especialmente en The River. Tal vez sea una especie de latigazo tonal para la mayoría de la gente, pero para mí tiene todo el sentido del mundo.
¿Hay artistas contemporáneos
que respetes, o todo te parece un simulacro?
Sería injusto llamarlo un simulacro, creo. Claro que hay mucha homogeneidad, y más que suficiente ruido de fondo insípido e inofensivo, pero también hay mucho que destaca. Tengo una especie de medio broma, medio observación, sobre cómo los músicos pop de los 2020 tienen que decidir entre ser Miami Vice o Kid Rock, lo cual supongo que es una forma bastante abstracta de ponerlo. Mucho tiene que ver con estética y vibras. Por ejemplo, Taylor Swift parece ser una de las pocas que logra ser ambas a la vez. Pero me desvío. The Lemon Twigs son probablemente mi banda “contemporánea” favorita: imagino que siento por ellos lo que muchas otras bandas sintieron por los Beatles en los 60, cuando era obvio que estaban en otro nivel inalcanzable. Realmente son así de buenos. Fuera de eso, me encantan Zhir Vengersky, Slugbug, Tchotchke… The Weeknd me merece respeto como artista dentro del paisaje mega-pop, aunque sea completamente Miami Vice. Y cuento a Sparks, probablemente mi banda favorita que no son los Beatles, como contemporáneos también; MAD!, su último álbum, me pareció brillante.
Escuchando tu discografía en
orden cronológico, uno percibe cambios estilísticos constantes. ¿Cómo decides
cuándo cambiar de rumbo o explorar nuevos sonidos?
Parte de eso es bastante arbitrario, según el capricho del momento. La eclecticidad, en mi opinión, es un impulso natural y debería ser fomentada. Supongo que ahí es donde se nota mi parte Bowie: la idea de que no tienes que encasillarte en un solo estilo de música o forma de hacer las cosas. Que puedes cambiar constantemente y aun así mantener un hilo conductor visible. Me gusta la metáfora del difunto David Thomas de comparar a Pere Ubu con una taza, así que la voy a robar: es la misma taza, el mismo cuerpo de trabajo, solo visto desde ángulos distintos. Un álbum de Monsieur Herr puede ser la taza vista de frente. Otro puede ser al revés. Otro más, la vista desde dentro de la taza. En otras palabras, un álbum mío puede ser más directo, otro más abstracto, por ejemplo. Quizá uno sea bastante sombrío y serio, y el siguiente más ligero. Todo lo que he hecho se ha extraído de elementos que siempre estuvieron ahí, diría yo, y es un proceso de encontrar y mostrar nuevos ángulos de la taza de Monsieur Herr… girar la taza, por así decirlo. “Si solo conoces la taza de una manera, no conoces la taza”.
Algunas obras parecen álbumes
conceptuales encubiertos. ¿Qué tan importante es la estructura o la narrativa
en tus discos?
Me gusta eso —álbumes conceptuales encubiertos—. Definitivamente no es en el sentido de Pink Floyd, donde todo sigue una narrativa lineal general, pero sí me ayuda tener una idea o un concepto en mente, incluso si es vago o abstracto, al armar un álbum. No todo está planeado desde el principio, pero muchas cosas sí: me gusta tener un título, y me gusta tener la portada desde el inicio, como para definir la vibra, y tener una base sobre la cual construir todo lo demás. En cuanto a la estructura, me preocupo bastante de que todo esté en el lugar correcto; sé que si no lo hago, me arrepentiré. Al final del día, es música para sobrepensadores, que en realidad es la clave de todo.