Transverse is a singular artist, committed to
something deeper: creating music that accompanies, heals, and allows each
listener to fully inhabit their emotions. His approach not only blends genres —
from EDM to indie, from pop to the atmospheric — but also builds sonic
landscapes designed to connect with the soul.
With songs like "Can't Wait",
"Emotions", and "Homesick", and an album like Live in the
Moment, which has already struck a chord with his audience, Transverse proves
that music can also be a form of therapy. As he put it himself: “Life is a
rollercoaster of emotions, and that’s what my music is about. Choose how you
want to feel, choose your song.” From the depths of loneliness to the heights
of euphoria, his work aims to be that intimate space where each listener can
find themselves, recognize themselves, and perhaps, begin to heal.
In this exclusive interview with Revista
Soundloop, we dive into his musical universe.
Why did you choose the stage name “Transverse,” and how is that concept
reflected in your songs?
I chose the stage name Transverse, mainly because I want to express music that represents life. Life goes up and down, it’s never all good for people and it’s never all bad. How this concept is reflected in my songs is just like a Transverse wave in physics, or a typical wave in the ocean, my music has a consistent flow throughout my songs. I blend different sounds, melodies, rhythms and even feelings into my songs to allow people to relate to them and connect with them no matter how they are feeling that day. I also have very dynamic and raw music. Not every sound in my songs is the same volume, and usually I will have the vocal louder than the instrumental because it creates a “live” or “raw” sounding effect for listeners, making them feel like the singer and I are right in their ear, making the song for them at that moment.
What motivated you to collaborate with AROB on
“Lost in Thought”? What was it like blending your style with his rap flow?
AROB and I actually were friends beforehand, because I made a beat for one of his songs. When I made the main guitar loop in “Lost In Thought”, knowing AROB’s voice, I knew I wanted his styled voice to sing on top of the guitar. It was a very interesting process blending our styles, but that just motivated me more since my thing is blending completely different styles into one sound. It took a lot more work, because we both really had to do many different things than we would normally in order to make this collaboration work, but I feel it turned out great and I thoroughly enjoyed it.
Your style is very personal—almost like a
therapeutic atmosphere. How do you approach sound design to create that
emotional connection?
Sound design is a VERY important piece to my music. When creating a song, I think back to all of the songs I have listened to. When I hear an angelic, echoey whistle in the song, it makes me feel calm, hence why I use that sound as a drop lead in my song “Being Here”. When I hear a rough, raw sounding piano in the song, I usually feel melancholy or even sad, hence why it is the main instrument in my song “Ready to Remember”. From listening to many songs and feeling many different feelings in the past, I hear what sounds have universally and consistently made me feel a certain way. THEN, to create an even more ACCURATE and DEEPER emotional connection, I blend these sounds together, for example, a peaceful happy sound, with a sad melancholy sound, and then people can really feel connected to my music.
Do you see yourself more as an artist, a
producer, a music therapist… or all three at once? Why?
This is a fantastic question! I see myself as all three, and I feel that’s what makes me unique and different. I see myself as an artist, because I am creating songs for the world, for the radio and for streaming services. I see myself as a producer, because I am usually the one to mix and master my songs most of the time. I also see myself as a musical therapist, because essentially, that’s my main goal. Everything I do in my music, is thinking about how this will affect somebody’s mind, and can ANYONE relate to this song no matter what time, day or place they listen to it, so I would consider myself all three at once.
How has your music evolved from “Can’t Wait”
(2023) to your most recent releases?
“Can’t Wait” was a start to my signature sound of blending electronic vibes with raw chill indie vibes. As my first song, I wanted people to hear both sides to my extreme genre fluctuations in my music, which is usually a mix of Indie with EDM. Since “Can’t Wait”, my music has become a cleaner and fuller version of what “Can’t Wait” sounds like. One of my more recent songs “Emotions” is supposed to be a similar, but slightly more advanced anthem from “Can’t Wait”.
Entrevista con Transverse: Sonidos que sanan
Transverse es un artista
singular, comprometido con algo más profundo: crear música que acompañe, que
sane y que permita a cada oyente habitar sus emociones. Su propuesta no solo
fusiona géneros —del EDM al indie, del pop a lo atmosférico— sino que construye
paisajes sonoros diseñados para conectar con el alma.
Con canciones como "Can't
Wait", "Emotions" y "Homesick", y un álbum como Live
in the Moment, que ya ha tocado fibras sensibles en su audiencia, Transverse
demuestra que la música también puede ser una forma de terapia. Como él mismo
lo expresó: “La vida es una montaña rusa de emociones, y de eso trata mi
música. Elegí cómo querés sentirte, elegí tu canción”. Desde la soledad más
honda hasta la euforia más intensa, su obra busca ser ese espacio íntimo donde
cada oyente puede encontrarse, reconocerse y, quizá, comenzar a sanar.
En esta entrevista exclusiva con
Soundloop, nos adentramos en su universo musical.
¿Por qué elegiste el nombre
artístico “Transverse” y cómo se refleja ese concepto en tus canciones?
Elegí el nombre artístico Transverse principalmente porque quiero expresar una música que represente la vida. La vida tiene altibajos, nunca es completamente buena para las personas, ni completamente mala. Este concepto se refleja en mis canciones de manera similar a una onda transversal en física, o a una ola típica del océano: mi música tiene un flujo constante a lo largo de cada tema. Mezclo diferentes sonidos, melodías, ritmos e incluso sentimientos en mis canciones para que las personas puedan identificarse con ellas y conectar sin importar cómo se sientan ese día. Además, mi música es muy dinámica y cruda. No todos los sonidos en mis canciones tienen el mismo volumen, y normalmente hago que la voz esté más alta que el instrumental porque eso genera un efecto “en vivo” o “crudo” para los oyentes, haciéndoles sentir que el cantante y yo estamos justo en su oído, creando la canción para ellos en ese momento.
¿Qué te motivó a colaborar con
AROB en “Lost in Thought”? ¿Cómo fue combinar tu estilo con su flujo rapero?
AROB y yo ya éramos amigos desde antes, porque le hice un beat para una de sus canciones. Cuando creé el loop principal de guitarra de “Lost In Thought”, conociendo la voz de AROB, supe que quería que ese estilo vocal se posara sobre la guitarra. Fue un proceso muy interesante fusionar nuestros estilos, pero eso me motivó aún más, ya que lo mío es justamente mezclar estilos completamente distintos en un solo sonido. Requirió mucho más trabajo, porque ambos tuvimos que hacer cosas bastante diferentes a lo que normalmente hacemos para que la colaboración funcionara, pero creo que el resultado fue excelente y lo disfruté mucho.
Tu estilo es muy personal,
casi como una atmósfera terapéutica. ¿Cómo abordás el diseño sonoro para crear
esa conexión emocional?
El diseño sonoro es una parte MUY importante de mi música. Al crear una canción, pienso en todos los temas que he escuchado. Cuando oigo un silbido angelical y con eco en una canción, me hace sentir en calma, por eso uso ese sonido como lead en el drop de mi canción “Being Here”. Cuando oigo un piano crudo y rasposo, usualmente me transmite melancolía o incluso tristeza, por eso es el instrumento principal en mi canción “Ready to Remember”. Al escuchar muchas canciones y experimentar muchas emociones distintas en el pasado, he identificado qué sonidos, de forma universal y constante, me han hecho sentir de cierta manera. LUEGO, para crear una conexión emocional aún más PRECISA y PROFUNDA, mezclo esos sonidos: por ejemplo, uno alegre y pacífico con otro melancólico y triste. Así, la gente puede conectar realmente con mi música.
¿Te ves más como artista,
productor, terapeuta musical... o las tres cosas a la vez? ¿Por qué?
¡Esa es una pregunta fantástica! Me veo como las tres cosas, y siento que eso es lo que me hace único y diferente. Me considero artista porque estoy creando canciones para el mundo, para la radio y las plataformas de streaming. Me considero productor porque la mayoría de las veces soy yo quien mezcla y masteriza mis canciones. También me veo como terapeuta musical, porque en esencia, ese es mi objetivo principal. Todo lo que hago en mi música lo pienso en función de cómo va a afectar la mente de alguien, y si CUALQUIER persona puede identificarse con esa canción sin importar el momento, el día o el lugar donde la escuche. Así que sí, me considero las tres cosas a la vez.
¿Cómo ha evolucionado tu
música desde “Can’t Wait” (2023) hasta tus lanzamientos más recientes?
“Can’t Wait” fue el inicio de mi sonido característico: una mezcla de vibras electrónicas con una onda indie cruda y relajada. Como primera canción, quería que la gente escuchara ambos lados de mis fluctuaciones extremas de género, que usualmente combinan el indie con el EDM. Desde “Can’t Wait”, mi música se ha vuelto una versión más pulida y completa de lo que esa canción proponía. Una de mis canciones más recientes, “Emotions”, está pensada como un himno similar, pero un poco más avanzado, a “Can’t Wait”.