Imagine, create, transform. Welcome to the sonic universe of Harry Verheijen, a composer and recording artist who turns consciousness into sound and transforms it into auditory stories. Since his early explorations on SoundCloud in 2012, Harry has developed a body of work that moves from early electronic forms to complex ambient and electrorganic structures, where distinctive percussion styles set the pulse.
His drive to broaden musical horizons led him to
incorporate genres such as alternative rock, R&B, funk, and Nu-Jazz into
his sonic palette, along with house and breakbeat rhythms that blend seamlessly
into his instrumental soundtracks. This diversity fuels his projects, whose
natural evolution culminated in the release of his debut album If
Not Now in 2020, under the Triplicate Records label.
In this interview, Harry shares how his perception of
the world and his emotions shape his musical textures, his creative process,
and his perspective on the current landscape of independent music.
How does your perception of the world influence the musical textures you create?
The textures seem to evolve from a subconscious emotional response. How I’m feeling directs how much I’m wanting to capture certain sounds, which highlights the expressions in whatever music I’m working on at the time. It also directs the general mood of the music itself, which can sometimes vary quite a bit from one track to another even on the same project, just as my mood can sometimes do the same from one day to another. This is especially true for my indie or alternative music. The more unified the overall mood is on a project, the more connected the textures are likely to be from one track to another. But all of that is certainly a reflection of the world around me as I see and feel it.
Where does a composition usually begin for you – with an emotion, a texture, or a rhythm?
I would say that most of the indie or alternative music I produce originates from an emotion from which I build around. That will start with an idea captured by guitar or some other (often acoustic) instrument and then build around that, often in hybrid sounds. Once I begin, I usually have a rough idea of style, even if the percussion is added at the end, so that there’s a unified flow as the parts are introduced. Tweaking and/or experimentation happens with each instrument particularly after I’ve played the part the way I want to my satisfaction. Quality in the heart of sound is what’s most important.
As to the electronic music I produce, it can be any one of the three, or all three simultaneously, that can be the inspiration of the music. For instance, I might be playing around with some drum sequences and decide to feed it through a vocoder just because I’m in that frame of mind where I want to hear what would happen and I’m in the mood to experiment - finding sounds in a way never worked on before by me. With tweaking, I can sometimes discover exciting new directions to start a new project; of course, that kind of experimenting can also find new ways of how not to do something. Things can get a little weird sometimes. But overall, that type of music for me encourages forward-driven visions of sound that’s fun to work on. I would say, in that case, all three influences work together then as a flow.
Is there a genre you haven’t explored yet that intrigues you?
Yes – EDM. Much of the music I have produced has been influenced by nature and rural environments; but city centres and urban enclaves are as much a part of my background, so I would like to explore other avenues of music to reflect that. The caveat is that I’m not really interested in producing formulaic music in that style – I’m hoping to find my own “voice” through the instrumentation, if that’s possible. As an added direction in my repertoire, it could lead to positive energy.
I recently acquired an MPC-Live II, which I’ve started playing around with already. Getting to a proficiency level, though, is going to be a bit of a learning curve, so we’ll see over time how things develop. I have a few ideas - nothing that are production worthy as yet. I’m hopeful. Time will tell. :)
What did your debut album “If Not Now” mean for your career?
Prior to that album, I had been producing individual tracks and posting them on Soundcloud for about 8 years – mostly electronic music. Those tracks were okay, getting listens and constructive feedback – but the sound quality, while mostly improving over time, suffered from inconsistencies and lack of cohesiveness at that point. When Triplicate Records accepted my first spontaneous submission to their lineup of releases, it opened a whole new world, so to speak, of what is possible in releasing music. The positive support and encouragement from that debut release allowed me to conceptual future projects better, emphasized the need to polish music to enhanced fidelity of sound, and formed in my mind an improved professionalism at all levels in the process of recording and releasing albums. I am indebted to Michael Southard, Bryan Kraft and George Ernst for that.
What’s your view on the current landscape of independent and experimental music?
The current landscape is very competitive. There are so many talented artists producing so much music that it’s a challenge at times to get heard in the mix. Independent artists seem to find their niche through creative innovations that sets their music apart – unique ways of expression that appeals on multiple platforms. Recognition comes through quality in the heart of sound. And today’s technology allows independent artists more control and more ways of reaching out than ever before. Doesn’t the proliferation and success of independent artists within the competitive environment support that position? I think it does, no matter where they are. And let’s not forget, with thanks, the support of forum sites, like Revista Soundloop – the interactions there are invaluable to independent artists.
As a music fan, I get a real charge when I hear something that moves in a forward direction, captures a mood in a unique way, or engages the listener with sound and process that stretches out and reaches to new horizons. To me, that’s what brings out the best enjoyment. It’s also its own invitation to hear more. I can tell you there is so much music that I love from the past, but there is something very special about hearing a great new piece of music for the first time. Independent and experimental music does that in leaps and bounds.
There are some in the music world who believe that AI will take over music and wipe out independent music production. I think this is vastly overstated. While AI might be an added tool at some stages for those artists who love the technology, I think there is no greater freedom of expression than when an artist has full control of innovation and expression on a track-by-track vision. AI will always be limited by the number of choices, permutations, and combinations programmed into it due to the very nature of what the technology is; on the other hand, independent artists – composers, songwriters, musicians, recording artists, music engineers – illustrate their ingenuity and craft through inventive techniques, where every track or song is given individual attention to detail. AI encourages formulaic responses, whereas independent and experimental music does not. Don’t get me wrong, I embrace technology in the digital world (at least when I’m not acting like a techno-peasant), but an over-reliance on AI will reduce vitality in music by detracting individuality and freedom of choice. And it is that individuality that makes new music so exciting to hear.
I believe this is what independent music producers are all about. People want to hear creative individuality. The sheer number of talented independent artists and the appeal of their music, I think, proves that point very well. Yes, it’s a competitive landscape – but it’s vital. And that’s exciting!
Entrevista con Hverheij: Explorando la conciencia a través de colores y texturas musicales
Imaginar, crear, transformar. Bienvenidos al universo sonoro de Harry Verheijen, un compositor y artista de grabación que convierte la conciencia en sonido y la transforma en historias auditivas. Desde sus primeras exploraciones en Soundcloud en 2012, Harry ha desarrollado una obra que transita desde las formas electrónicas tempranas hasta complejas estructuras ambient y electrorgánicas, donde los estilos percusivos distintivos marcan el pulso.
Su inquietud por ampliar horizontes musicales lo llevó a incorporar a su paleta sonora géneros como el rock alternativo, R&B, funk y Nu-Jazz, además de ritmos house y breakbeat que se integran fluidamente en sus bandas sonoras instrumentales. Esta diversidad es el motor que impulsa sus proyectos, cuya evolución natural desembocó en el lanzamiento de su primer álbum If Not Now en 2020, bajo el sello Triplicate Records.
En esta
entrevista, Harry nos comparte cómo su percepción del mundo y sus emociones
moldean sus texturas musicales, su proceso creativo y su mirada sobre el
panorama actual de la música independiente.
¿Cómo influye tu percepción del mundo en las texturas musicales que creás?
Las texturas parecen surgir de una respuesta emocional subconsciente. Lo que siento en determinado momento guía cuánto quiero capturar ciertos sonidos, lo cual resalta las expresiones de la música en la que esté trabajando. También determina el estado de ánimo general de la música, que a veces puede variar bastante de una pista a otra incluso dentro de un mismo proyecto, del mismo modo que mi estado de ánimo puede cambiar de un día al otro. Esto es especialmente cierto en mi música indie o alternativa. Cuanto más unificado está el ánimo general de un proyecto, más conectadas estarán probablemente las texturas entre una pista y otra. Pero todo eso es, sin duda, un reflejo del mundo que me rodea tal como lo veo y lo siento.
¿Dónde comienza normalmente una composición para vos: con una emoción, una textura o un ritmo?
Diría que la mayoría de la música indie o alternativa que produzco nace de una emoción sobre la que empiezo a construir. Suele comenzar con una idea capturada con guitarra u otro instrumento (muchas veces acústico), y luego desarrollo todo a partir de eso, generalmente con sonidos híbridos. Una vez que comienzo, suelo tener una idea general del estilo, incluso si la percusión se agrega al final, para que haya un flujo unificado a medida que se introducen las partes. Siempre hay ajustes y experimentación con cada instrumento, especialmente después de tocar la parte de la manera que me deja satisfecho. La calidad en el corazón del sonido es lo más importante.
En cuanto a la música electrónica que produzco, puede empezar con cualquiera de los tres elementos —o los tres a la vez— como fuente de inspiración. Por ejemplo, puedo estar jugando con algunas secuencias de batería y decidir pasarlas por un vocoder solo porque tengo ganas de experimentar y ver qué pasa —encontrando sonidos de una forma que nunca antes había probado. Con algunos ajustes, a veces descubro direcciones nuevas y emocionantes para comenzar un nuevo proyecto; por supuesto, ese tipo de experimentación también puede mostrar caminos que no funcionan. A veces las cosas se ponen raras. Pero en general, ese tipo de música me impulsa a tener visiones sonoras hacia adelante y resulta muy divertida de trabajar. En ese caso, diría que los tres elementos influyen juntos como un flujo.
¿Hay algún género que aún no hayas explorado y que te intrigue?
Sí: el EDM. Mucha de la música que he producido ha estado influenciada por la naturaleza y los entornos rurales; pero los centros urbanos y los barrios de ciudad también forman parte de mi historia, así que me gustaría explorar otros caminos musicales que reflejen eso. El detalle es que no me interesa producir música formulaica en ese estilo: espero poder encontrar mi propia “voz” a través de la instrumentación, si eso es posible. Como dirección adicional en mi repertorio, podría aportar una energía positiva.
Recientemente adquirí un MPC-Live II, con el que ya empecé a experimentar. Pero alcanzar un nivel de dominio va a requerir una curva de aprendizaje, así que veremos con el tiempo cómo se desarrollan las cosas. Tengo algunas ideas —aunque todavía ninguna está lista para producción. Tengo esperanzas. El tiempo dirá. :)
¿Qué significó tu álbum debut If Not Now para tu carrera?
Antes de ese álbum, venía produciendo pistas individuales y subiéndolas a Soundcloud durante unos 8 años —principalmente música electrónica. Esas canciones estaban bien, recibían escuchas y comentarios constructivos, pero la calidad del sonido, aunque fue mejorando con el tiempo, todavía sufría de inconsistencias y falta de cohesión. Cuando Triplicate Records aceptó mi primera presentación espontánea para su catálogo de lanzamientos, se abrió un mundo completamente nuevo, por así decirlo, de lo que es posible al publicar música. El apoyo y la recepción positiva de ese lanzamiento debut me permitió conceptualizar mejor proyectos futuros, me hizo tomar conciencia de la necesidad de pulir la música con mayor fidelidad sonora, y me ayudó a desarrollar una actitud más profesional en todos los niveles del proceso de grabación y publicación de álbumes. Estoy en deuda con Michael Southard, Bryan Kraft y George Ernst por eso.
¿Cuál es tu visión del panorama actual de la música independiente?
El panorama actual es muy competitivo. Hay tantos artistas talentosos produciendo tanta música que a veces es un desafío ser escuchado entre tanta oferta. Los artistas independientes parecen encontrar su nicho a través de innovaciones creativas que hacen que su música se destaque —formas únicas de expresión que conectan en múltiples plataformas. El reconocimiento llega a través de la calidad en el corazón del sonido. Y la tecnología actual permite a los artistas independientes tener más control y más formas de llegar al público que nunca antes. ¿Acaso la proliferación y el éxito de artistas independientes en este entorno competitivo no demuestran eso? Creo que sí, sin importar dónde se encuentren. Y no olvidemos, con agradecimiento, el apoyo de sitios de foros como Revista Soundloop —las interacciones allí son invaluables para los artistas independientes.
Como fan de la música, siento una gran emoción cuando escucho algo que avanza en una nueva dirección, que captura un estado de ánimo de una manera única o que involucra al oyente con sonidos y procesos que se estiran y alcanzan nuevos horizontes. Para mí, eso es lo que más disfruto. También es una invitación en sí misma a querer seguir escuchando. Puedo decirte que hay muchísima música del pasado que amo, pero hay algo muy especial en escuchar una gran nueva pieza musical por primera vez. La música independiente y experimental logra eso a pasos agigantados.
Hay quienes creen que la inteligencia artificial va a apoderarse de la música y acabar con la producción musical independiente. Creo que eso está enormemente exagerado. Aunque la IA pueda ser una herramienta adicional en ciertas etapas para los artistas a los que les gusta la tecnología, no creo que haya mayor libertad de expresión que cuando un artista tiene el control total sobre la innovación y la expresión en cada pista. La IA siempre estará limitada por la cantidad de opciones, permutaciones y combinaciones que le hayan sido programadas, por la misma naturaleza de la tecnología; en cambio, los artistas independientes —compositores, autores, músicos, productores, ingenieros— demuestran su ingenio y oficio mediante técnicas inventivas, donde cada canción recibe una atención individual y cuidada. La IA tiende a generar respuestas formulaicas, mientras que la música independiente y experimental no. No me malinterpretes: abrazo la tecnología en el mundo digital (al menos cuando no actúo como un tecnocampesino), pero depender demasiado de la IA reducirá la vitalidad de la música al quitarle individualidad y libertad de elección. Y es esa individualidad la que hace que la música nueva sea tan emocionante de escuchar.
Creo que de eso se trata la producción musical independiente. La gente quiere escuchar individualidad creativa. La gran cantidad de artistas independientes talentosos y el atractivo que tiene su música, en mi opinión, prueban muy bien ese punto. Sí, es un entorno competitivo, pero es vital. ¡Y eso es emocionante!