Joe Hodgson, the guitarist hailing
from Ballymagorry (County Tyrone, Northern Ireland), is a passionate musician
who has shaped his artistic voice from deep roots: a childhood marked by The
Troubles, a first second-hand guitar, and the early inspiration of heroes like
Rory Gallagher and Gary Moore. After spending two decades in London—touring
across Europe and collaborating with top-tier producers and musicians such as
George De Angelis—he returned to his homeland to care for his ailing mother. In
that return, he found a source of peace and creativity that led him down a new
path: the release of his first solo album, Apparitions (2020), praised by
Guitar World as “elite.”
Now, with Fields of Redemption, his
second instrumental project, Hodgson delves deeper into the themes of
reconnecting with his roots and the pursuit of inner peace. The album, recorded
with the participation of musicians from different places around the world, was
released on June 20, 2025.
In this conversation with Joe
Hodgson, the talented Northern Irish guitarist shared insights into his musical
journey, his influences, and the profound meaning behind Fields of Redemption.
What does the title Fields of
Redemption represent for you? Is there a story or concept behind it?
Yes, there is. I lived in London for
a few decades, playing in bands and touring the UK and Europe. But I returned
to my native Ireland a few years back, and Fields of Redemption is about that
homecoming, and the reconnection with the land of my birth and everything
Irish. It’s really about the journey to inner peace and contentment, and the
realisation that this is where I belong.
Did you have a clear sonic or
thematic goal from the start, or did it take shape gradually?
Yeah, I had a pretty clear vision
from the outset, and that was helped and shaped a lot by the fact that I had a
co-producer this time, Chris James Ryan. I wanted to be more adventurous with
the production than I was on my first album,” Apparitions”, and widen out the
sound a little. So, we ended up using strings and horns on a few of the tracks,
among other things, and we worked with some incredible and varied musicians
along the way. I was determined to get the right players for each track, and
that meant working with people from all over the world. There were sessions in
Nashville, New York, Los Angeles, Toronto, Salvador, Galway, Warwickshire, and
London. But the most memorable was probably Prague, and working with the Czech
Philharmonic on “You I Think of”. That was a fantastic experience. With the
whole album, I wanted to take the listener on a journey, and hopefully I‘ve
done that.
Your journey goes from playing in
London-based bands to returning to your homeland. How did that change impact
your music? What motivated you to take the leap into a solo career after so
many years in group projects?
Moving back home actually helped me
see music in a much broader way. In London, I was often in bands, where I felt
my playing was being stifled, and people weren’t hearing the best of me. I just
sat down one day and thought to myself, life is too short not to play the way I
want. So that was a motivating factor for going solo, along with the idea of
doing something new and fresh, something where I could write and play exactly
what I wanted to. For example, if I wanted to do a blues track, a rock track, or
a country track, I could now, whereas before in a band situation, I couldn’t.
This musical freedom is great for the soul. I also wanted to see how far I
could push my guitar as a voice that would carry the music like a singer
traditionally does. People can judge for themselves how well I’ve done that
(laughs).
What was the moment when you knew
you wanted to pursue music professionally?
That would have been after I saw
Gary Moore play live for the first time. I just couldn’t believe what I was
hearing, and I just knew that this is what I wanted to do. I used to be really
into playing sports, but I ditched all that to dedicate my life to playing the
guitar. It’s been a long and winding road, but one I wouldn’t swap for
anything.
Do you compose starting from an
emotion, a riff, or a mental image?
It’s usually a combination of how
I’m feeling on any given day, along with a mental image that I conjure up in my
mind when I’m playing. I put myself in these scenarios, and that could be
something that I’ve done, something I want to happen, or something maybe I wish
had never happened. I get lost in them, and they just seem to manifest
themselves in melodies that somehow tell a story. I compose the whole track,
then I’ll get the drummer and bass player to lay down their parts. Very early
on, I’ll hear exactly what other instrumentation I want, and it’s just a case
of moulding and crafting it until I’m happy with everything.
Which guitars, pedals, or amps were
key in the recording of Fields of Redemption?
Guitar-wise, I used my Fender
Marauder on the bulk of the tracks, along with my two Strats. I used the Les
Paul on a couple of tracks, too. I recorded two acoustic tracks, and they were
both done on my Martin. I think I used a Yamaha acoustic for a few little parts
here and there, too. I used a variety of amps: a Fender Bassman Vintage Head, a
Fender Super Sonic, a Fender Hot Rod Deluxe, a Marshall JCM 800, a Vox AC30,
and a PRS MT15 Head. We went for a wide and varied sonic palette, so we chopped
and changed the amps a lot. I used a Dunlop Cry Baby Wah pedal as well.
Are there any contemporary artists
or guitarists who inspire you today?
There are so many amazing artists
out there who play great music, but with guitarists, I still find myself
listening to the old guys like Gary Moore, Rory Gallagher and Jeff Beck. To me,
they had this magic and emotional depth to their playing that seems to be
absent from many of the modern whizz kids. A lot of what I hear today, while
technically mind-boggling, is a bit soulless. Of the guys out there today, I’d
say John Mayer and Simon McBride are probably my favourites. They are both
brilliant and very different, but they’ve got it all.
Joe
Hodgson: Una vida contada a través de la guitarra
Joe
Hodgson, el guitarrista originario de Ballymagorry (Condado Tyrone, Irlanda del
Norte), es un músico apasionado que ha forjado su voz artística partiendo de
raíces profundas: su infancia durante The Troubles, una primera guitarra
de segunda mano y la inspiración temprana de héroes como Rory Gallagher y Gary
Moore. Tras dos décadas radicado en Londres, donde hizo giras por Europa
colaborando con productores y músicos de primer nivel como George De Angelis,
regresó a su tierra natal para cuidar de su madre enferma y encontró en aquel
retorno una fuente de paz y creatividad que lo llevó a tomar un nuevo rumbo: el
lanzamiento de su primer álbum solista, Apparitions (2020), aclamado por
Guitar World como “élite”.
Ahora,
con Fields of Redemption, su segundo proyecto instrumental, Hodgson
profundiza en la temática del reencuentro con sus raíces y la búsqueda de la
paz interior. El disco, grabado con la participación de músicos de distintos
lugares del mundo y fue lanzado el 20 de junio de 2025.
En
esta charla que tuvimos con Joe Hodgson, el talentoso guitarrista norirlandés
nos contó sobre su recorrido musical, sus influencias, y el profundo
significado detrás de Fields of Redemption.
¿Qué
representa para vos el título Fields of Redemption? ¿Hay una historia o
un concepto detrás?
Sí,
lo hay. Viví en Londres durante unas cuantas décadas, tocando en bandas y
haciendo giras por el Reino Unido y Europa. Pero hace algunos años volví a mi
Irlanda natal, y Fields of Redemption trata sobre ese regreso a casa, y la
reconexión con la tierra en la que nací y todo lo irlandés. En realidad, se
trata del viaje hacia la paz interior y la realización de que este es el lugar
al que pertenezco.
¿Tenías
un objetivo sonoro o temático claro desde el principio, o fue tomando forma
gradualmente?
Sí,
tenía una visión bastante clara desde el principio, y eso se vio muy reforzado
y moldeado por el hecho de que esta vez tuve un coproductor, Chris James Ryan.
Quería ser más audaz con la producción que en mi primer álbum, Apparitions, y
ampliar un poco el sonido. Así que terminamos usando cuerdas y metales en
algunas canciones, entre otras cosas, y trabajamos con músicos increíbles y muy
variados en el camino. Estaba decidido a encontrar los músicos adecuados para
cada tema, y eso significó trabajar con gente de todo el mundo. Hubo sesiones
en Nashville, Nueva York, Los Ángeles, Toronto, Salvador, Galway, Warwickshire
y Londres. Pero la más memorable fue probablemente en Praga, trabajando con la
Filarmónica Checa en “You I Think of”. Fue una experiencia fantástica. Con todo
el álbum, quise llevar al oyente a un viaje, y espero haberlo logrado.
Tu
recorrido va desde tocar en bandas de Londres hasta volver a tu tierra natal.
¿Cómo impactó ese cambio en tu música? ¿Qué te motivó a dar el salto a una
carrera solista después de tantos años en proyectos grupales?
Volver
a casa me ayudó a ver la música de una forma mucho más amplia. En Londres solía
estar en bandas, donde sentía que mi forma de tocar estaba limitada, y que la
gente no estaba escuchando lo mejor de mí. Un día simplemente me senté y pensé:
la vida es demasiado corta como para no tocar como yo quiero. Así que eso fue
un factor clave para lanzarme como solista, además de la idea de hacer algo
nuevo y fresco, algo donde pudiera escribir y tocar exactamente lo que
quisiera. Por ejemplo, si quería hacer un tema blues, uno de rock o uno
country, ahora podía hacerlo, mientras que antes, en una banda, no. Esta
libertad musical es excelente para el alma. También quería ver hasta dónde
podía llevar a mi guitarra como una voz que sostuviera la música, como lo hace
tradicionalmente un cantante. La gente puede juzgar por sí misma qué tan bien
logré eso (risas).
¿Cuál
fue el momento en que supiste que querías dedicarte a la música
profesionalmente?
Eso
fue después de ver a Gary Moore tocar en vivo por primera vez. Simplemente no
podía creer lo que estaba escuchando, y supe que eso era lo que quería hacer.
Antes estaba muy metido en el deporte, pero dejé todo eso para dedicar mi vida
a la guitarra. Ha sido un camino largo y sinuoso, pero no lo cambiaría por
nada.
¿Componés
partiendo de una emoción, un riff o una imagen mental?
Suele
ser una combinación de cómo me siento ese día, junto con una imagen mental que
me creo mientras toco. Me pongo en esos escenarios, que pueden ser cosas que
viví, cosas que quiero que sucedan, o incluso cosas que ojalá nunca hubieran
pasado. Me pierdo en ellos, y parece que se manifiestan en melodías que de
algún modo cuentan una historia. Compongo toda la canción, y luego hago que el
baterista y el bajista graben sus partes. Desde muy temprano ya escucho
claramente qué otros instrumentos quiero, y se trata solo de moldearlo y
pulirlo hasta que todo me convenza.
¿Qué
guitarras, pedales o amplificadores fueron clave en la grabación de Fields
of Redemption?
En
cuanto a guitarras, usé mi Fender Marauder en la mayoría de los temas, junto
con mis dos Stratocaster. También usé una Les Paul en un par de canciones.
Grabé dos temas acústicos, y ambos los hice con mi Martin. Creo que también usé
una acústica Yamaha en algunas partes pequeñas por ahí. Usé una variedad de
amplificadores: un cabezal Fender Bassman Vintage, un Fender Super Sonic, un
Fender Hot Rod Deluxe, un Marshall JCM 800, un Vox AC30 y un cabezal PRS MT15.
Queríamos una paleta sonora amplia y variada, así que cambiamos bastante de
amplis. También usé un pedal Dunlop Cry Baby Wah.
¿Hay
artistas o guitarristas contemporáneos que te inspiren hoy en día?
Hay
muchísimos artistas increíbles haciendo gran música, pero cuando se trata de
guitarristas, sigo volviendo a los de antes como Gary Moore, Rory Gallagher y
Jeff Beck. Para mí, ellos tenían una magia y una profundidad emocional en su
forma de tocar que siento que falta en muchos de los prodigios modernos. Mucho
de lo que escucho hoy, aunque técnicamente impresionante, me resulta un poco
sin alma. Entre los guitarristas actuales, diría que mis favoritos son John
Mayer y Simon McBride. Ambos son brillantes y muy diferentes, pero lo tienen
todo.