Cantautora, compositora y artista multidimensional nacida en Barcelona, Andy Arno presenta TTLG Vol. 1: The Broken Lullabies, la primera entrega de una trilogía que explora los arquetipos de la infancia, la adolescencia y la adultez. Con influencias que van del blues y el gospel descubiertos en su paso por la Escuela Taller de Blues de Barcelona, hasta el rock, la Americana y el pop, Andy se define por su búsqueda de la autenticidad a través del arte. Tras representar a Suecia en el Festival Internacional de Punta del Este y colaborar con artistas como Terri B! y Moani, hoy nos abre las puertas de su universo musical en esta entrevista. ¡No se la pierdan!
TTLG Vol. 1 es un EP diverso. ¿Cómo fue el proceso de grabación y producción en el
estudio?
Fue un proceso de búsqueda hasta encontrar a la persona adecuada. Pasé por varios estudios, incluido mi home-studio y algunos en Barcelona y Estocolmo, hasta que mi batería me presentó a Pau, de Locus Studio. Fue la primera persona que entendió que no busco un sonido comercial, sino algo atemporal. Conectamos al instante. Él sentía auténtica pasión por ensamblar música inspirada en el rock y la Americana de los 70. Fueron seis meses de sesiones muy fluidas, gracias a que yo llevaba las demos muy estructuradas, su inspiración y la gran calidad de mis músicos. Lo recuerdo con mucho cariño.
Take My Hand tiene un solo de violín inspirado en la música clásica india. ¿Cómo
surgió esa idea?
Para mí lo espontáneo es lo que más vale, porque lo excesivamente preparado mata lo genuino. Con Take My Hand pasó justo eso: en el estudio sentí que la canción pedía un solo, y mi productor Víctor me habló de Claudia Madhurima, una violinista increíble que se crió en la India. La invité y, con mucho respeto por su tradición, grabó sentada en el suelo sobre cojines. Traía una idea, pero lo mágico fue lo que surgió allí, en ese momento. Creo que una parte de su alma quedó impregnada en ese solo. Dejo un vídeo de la grabación en vivo en el estudio para que veáis esa energía.
La letra habla de esperanza y fe en
uno mismo. ¿Hubo un momento personal que inspiró la letra?
Sí, la canción es muy personal. Habla de las heridas de mi infancia y refleja un proceso de sanación con mi niña interior. A pesar de todo, la fe y la esperanza son dos pilares que siempre me han caracterizado.
Definiste este volumen como un
homenaje nostálgico y agridulce a la infancia. ¿Qué recuerdos de tu niñez
aparecen en estas canciones?
La ausencia de mi padre, que falleció cuando yo tenía cinco años, abrió en mí una profunda herida de abandono y rechazo. Estas canciones son el espejo en el que me he mirado para liberar toda esa sombra y sanarla. Para mí, el arte es una poderosa herramienta de sanación, porque nos permite sacar a la luz el subconsciente y empezar a integrarlo.
En un tiempo dominado por los singles,
apuestas por un proyecto conceptual en tres volúmenes. ¿Qué te motivó a seguir
este camino?
Mi deseo y fuego interno. Después de años de que mucha gente intentara marcar mi camino, especialmente con el sonido, me costó mucho creer en mí misma. Pero ahora tengo claro que debo defender mi visión. En un mundo de fast food, fast music y fast fashion, yo hago música atemporal, que nace de la vivencia y la emoción. Los tres volúmenes representan las tres fases que conforman quien soy: infancia, adolescencia y edad adulta. Este primero, centrado en la infancia, tenía que tener su propia estética y universo.
Estudiaste en la Escuela Taller de
Blues de Barcelona. ¿Cómo fue esa experiencia? ¿Alguna anécdota?
Fue una época de crecimiento increíble, llena de estímulos nuevos. Descubrí a Robert Johnson, Sister Rosetta Tharpe... Al principio me costó entender el lenguaje musical y analizar las canciones por sus grados armónicos, pero aprendí a escuchar de verdad. ¡Y la anécdota! Yo escribía un diario de aquella época y todavía tengo grabaciones de algunos ensayos donde, con cariño, sonábamos horrible, no dábamos una jajaja. Fue un aprendizaje humilde y maravilloso.
¿Hay algún artista o banda que te haya
marcado especialmente en la creación de este proyecto?
Dos extremos que me definen: la raw passion de Robert Johnson y la explosividad visceral de Nirvana.
Has colaborado con Terri B! y Moani.
¿Cómo surgieron estas colaboraciones? ¿Qué aprendizajes dejó en el camino de tu
carrera artística?
Con Moani fue orgánico; me contactó por Instagram. Grabamos Ikwete y luego Hold Me. Fue una experiencia fantástica; él es un gran tipo. Me encanta explorar el dancehall y las raíces africanas, que conectan con mi amor por el R&B y el soul que me inculcó mi madre.
Con Terri B! fue al revés. Cuando teníamos Music Is My Oxygen lista, enviamos un teaser a varias artistas y ella respondió en horas. Es puro talento y energía. Desgraciadamente, un sello en el que confiamos no trabajó la canción en absoluto y la enterró. Fue un jarro de agua fría, pero un aprendizaje crucial: los intermediarios a menudo entorpecen el proceso. Esa experiencia consolidó mi decisión de ser artista independiente; hoy el apoyo lo da el público, no los sellos.
Representaste a Suecia en el Festival
Internacional de Punta del Este con tu single Tomorrow. ¿Cómo recuerdas
esa experiencia?
Fue una experiencia increíble de principio a fin. Conocí a artistas maravillosos y me llevo recuerdos preciosos de varias personas. Sin embargo, también tuve alguna experiencia negativa con algunos hombres dentro del festival que me recordaron lo vulnerable que te puedes sentir como mujer en esta industria. Eso me marcó personalmente y enturbió mi visión, pero también me empoderó. Me reafirmó en mi feminismo y en la necesidad de hablar desde una posición fuerte.
Te defines como artista
multidimensional. ¿Qué disciplinas artísticas además de la música forman parte
de tu expresión creativa?
La escritura vino antes que la música. Desde pequeña escribo cuentos y poesía. De hecho, sigo escribiendo todas mis letras a papel. Tengo un guión de cine que transformaré en novela y espero publicar el próximo año. También escribo un diario espiritual (Andy's Inner Journal) en mi web.
Ahora, para el segundo volumen musical, Here Comes the Dark, voy a dirigir el videoclip de Wonderland. Incluso grabaré un documental sobre el proceso, para enfocar el papel de la mujer no como objeto visual, sino como creadora y directora de sus propios mundos. Admiro a directoras como Coralie Fargeat o Greta Gerwig y creo que es vital dar más visibilidad a las mujeres creadoras.
¿Qué papel juega lo espiritual en tu
proceso de creación?
Un papel enorme. Leo mucho a Carl Jung y me fascina vincular lo espiritual con lo psicológico, el poder del subconsciente. Curiosamente, esta música la escribí hace años, pero su lanzamiento se ha alineado con mi proceso de sanación. Herramientas como el vinyasa yoga, la meditación, los círculos de mujeres o el reiki me han cambiado la vida. Esta espiritualidad me ha ayudado a encontrar mi lugar como artista. Vengo de vivir desde el inconsciente, con malos hábitos que llevaron mi salud al límite, y ahora valoro enormemente el bienestar y la claridad mental
¿Qué significa para ti ser 100%
independiente en un contexto donde muchos buscan el respaldo de grandes sellos?
Es un reto enorme a nivel de energía y economía. Para sostener la carga de trabajo necesito hábitos saludables que mantengan mi bien físico y mental; es mi responsabilidad para con mi arte. Económicamente, es una inversión, pero creo que la creatividad vale más que todo el dinero. La tecnología lo ha democratizado todo; grabaré mi próximo videoclip y documental con un iPhone. Mi objetivo es crecer, conectar con mi público, crear una marca y poder sostenerme con mi arte, pero siempre manteniendo la libertad y pureza que ser independiente me da.
¿Qué diferencia hay entre la Andrea
que compuso Tomorrow en 2019 y la Andy Arno que presenta Take My Hand
en 2025?
La Andrea de 2019 era ingenua, no se quería, no creía en sí misma y buscaba validación constantemente. La Andy de hoy se valora, se ama y cree en su arte como una extensión de quien es. La falta de amor es el origen de todos los males, y yo he aprendido a encontrarlo dentro de mí.
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Interview
with Andy Arno: “In a world of fast music, I create timeless music”
Singer-songwriter,
composer, and multidimensional artist born in Barcelona, Andy Arno presents
TTLG Vol. 1: The Broken Lullabies, the first chapter of a trilogy that explores
the archetypes of childhood, adolescence, and adulthood. With influences ranging
from the blues and gospel she discovered at the Escuela Taller de Blues in
Barcelona to rock, Americana, and pop, Andy defines herself through a constant
search for authenticity in art. After representing Sweden at the Punta del Este
International Song Festival and collaborating with artists such as Terri B! and
Moani, today she opens the doors to her musical universe in this interview.
Don’t miss it!
TTLG
Vol. 1 is a diverse EP. What was the recording and production process like in
the studio?
It was a journey of searching until I found the right person. I went through several studios, including my home studio and others in Barcelona and Stockholm, until my drummer introduced me to Pau from Locus Studio. He was the first person who understood that I wasn’t looking for a commercial sound but something timeless. We connected instantly. He had a genuine passion for assembling music inspired by ’70s rock and Americana. The six months of sessions flowed very naturally, thanks to the fact that I came in with very structured demos, his inspiration, and the great quality of my musicians. I remember it very fondly.
Take My
Hand features a violin solo inspired by Indian classical music. How did that
idea come about?
For me, spontaneity is what matters most, because over-preparing kills what’s genuine. With Take My Hand, that’s exactly what happened: in the studio, I felt the song was asking for a solo, and my producer Víctor told me about Claudia Madhurima, an amazing violinist who grew up in India. I invited her and, with deep respect for her tradition, she recorded sitting on the floor on cushions. She had an idea in mind, but the magic came from what was born right there in that moment. I believe part of her soul became imprinted in that solo. I even left a video of the live recording in the studio so people can feel that energy.
The
lyrics speak about hope and faith in oneself. Was there a personal moment that
inspired them?
Yes, the song is very personal. It talks about the wounds of my childhood and reflects a healing process with my inner child. Despite everything, faith and hope have always been two pillars that define me.
You
defined this volume as a nostalgic and bittersweet homage to childhood. What
childhood memories appear in these songs?
The absence of my father, who passed away when I was five, left a deep wound of abandonment and rejection in me. These songs are the mirror in which I’ve looked to release that shadow and heal it. For me, art is a powerful healing tool, because it allows us to bring the subconscious to light and start integrating it.
In a
time dominated by singles, you chose to work on a three-volume conceptual
project. What motivated you to follow this path?
My inner fire and desire. After years of many people trying to dictate my path, especially in terms of sound, it took me a long time to believe in myself. But now I know I must defend my vision. In a world of fast food, fast music, and fast fashion, I create timeless music, born from experience and emotion. The three volumes represent the three stages that make me who I am: childhood, adolescence, and adulthood. This first one, focused on childhood, needed its own aesthetic and universe.
You
studied at the Escuela Taller de Blues in Barcelona. What was that experience
like? Any anecdotes?
It was an incredible time of growth, full of new stimuli. I discovered Robert Johnson, Sister Rosetta Tharpe… At first, it was hard for me to understand the musical language and analyze songs by their harmonic degrees, but I learned to really listen. And the anecdote! I used to keep a diary from that time, and I still have recordings of some rehearsals where, honestly and with affection, we sounded terrible, we couldn’t get one right, haha. It was a humble and wonderful learning experience.
Was
there any artist or band that particularly influenced the creation of this
project?
Two extremes that define me: the raw passion of Robert Johnson and the visceral explosiveness of Nirvana.
You’ve
collaborated with Terri B! and Moani. How did those collaborations come about,
and what did they teach you along your artistic journey?
With Moani, it was organic; he reached out to me on Instagram. We recorded Ikwete and then Hold Me. It was a fantastic experience; he’s a great guy. I love exploring dancehall and African roots, which connect with my love for R&B and soul that my mother instilled in me.
With Terri B! it was the opposite. When we had Music Is My Oxygen ready, we sent a teaser to several artists, and she responded within hours. She’s pure talent and energy. Unfortunately, a label we trusted didn’t work on the song at all and buried it. It was a bucket of cold water, but a crucial lesson: intermediaries often hinder the process. That experience consolidated my decision to remain independent; today, support comes from the audience, not the labels.
You
represented Sweden at the Punta del Este International Song Festival with your
single Tomorrow. How do you remember that experience?
It was an incredible experience from start to finish. I met wonderful artists and carry precious memories of many people. However, I also had some negative experiences with certain men within the festival that reminded me how vulnerable you can feel as a woman in this industry. That affected me personally and clouded my vision, but it also empowered me. It reaffirmed my feminism and the need to speak from a strong position.
You
define yourself as a multidimensional artist. Beyond music, what other artistic
disciplines are part of your creative expression?
Writing came before music. Since childhood, I’ve written stories and poetry. In fact, I still write all my lyrics by hand. I have a film script that I’ll transform into a novel and hope to publish next year. I also keep a spiritual diary (Andy’s Inner Journal) on my website.
Now, for the second musical volume, Here Comes the Dark, I’m going to direct the video for Wonderland. I’ll even film a documentary about the process, to highlight the role of women not as visual objects but as creators and directors of their own worlds. I admire directors like Coralie Fargeat and Greta Gerwig, and I believe it’s vital to give more visibility to women creators.
What
role does spirituality play in your creative process?
A huge role. I read a lot of Carl Jung and I’m fascinated by linking the spiritual with the psychological, the power of the subconscious. Interestingly, I wrote this music years ago, but its release has aligned with my healing process. Practices like vinyasa yoga, meditation, women’s circles, and reiki have changed my life. Spirituality has helped me find my place as an artist. I used to live unconsciously, with bad habits that pushed my health to the limit, and now I deeply value well-being and mental clarity.
What
does it mean to you to be 100% independent in a context where many seek the
support of big labels?
It’s a huge challenge in terms of energy and economy. To sustain the workload, I need healthy habits that maintain my physical and mental well-being; that’s my responsibility toward my art. Economically, it’s an investment, but I believe creativity is worth more than money. Technology has democratized everything; I’ll record my next video and documentary with an iPhone. My goal is to grow, connect with my audience, create a brand, and sustain myself with my art, but always maintaining the freedom and purity that independence gives me.
What is
the difference between Andrea, who wrote Tomorrow in 2019, and Andy Arno, who
presents Take My Hand in 2025?
Andrea in 2019 was naïve, didn’t love herself, didn’t believe in herself, and constantly sought validation. The Andy of today values herself, loves herself, and believes in her art as an extension of who she is. Lack of love is the root of all evils, and I’ve learned to find it within myself.