From Kansas
City, Jared Bond talks to us about his latest release, Sugar Rush.
Recorded at Element Studios with Joel Nanos and bassist Jim Embry (Root and
Stem), the song reflects the most critical and at the same time most playful
side of the singer-songwriter. In this interview, he talks to us about the
creative process, collaboration with old friends and his vision of art as a
mirror of society.
Your new
single, Sugar Rush, reflects on the chaotic state of the world. What
event or personal experience inspired you to write it?
You're right that the song captures the chaotic state of the world. Honestly, it wasn’t inspired by one specific event, but more of a general sense of everything happening around us. There’s a lot of turmoil out there, and as much as I wish some of it didn’t exist, I think it’s important to reflect on it through art. My songwriting is a way for me to make sense of my own role in all of it.
I’m often pretty critical of humanity in my lyrics, and Sugar Rush is no exception. I was listening to a lot of Bright Eyes and Father John Misty while writing, and their mix of sharp critique with self-awareness was a big influence.
You’ve
mentioned Father John Misty as an influence on your songwriting. What did you
learn from his style that you apply here?
Father John Misty’s lyrics are a masterclass in subtlety and wit. The way he can turn a phrase or twist the timing of a line is something I really admire. I also appreciate how his lyrics often strike at deep rooted human issues, and flaws and flips them into something relatable.
I guess I approach art the way some people approach food: candy is fine once in a while, but you need substance to sustain you. That’s what I look for in music, too. I’m sure I sound a little pretentious saying that, but it’s how I feel. It’s either that, or I’m just getting old, lol.
In terms
of sound, how do the references to My Morning Jacket and Jimmy Eat
World come together in this single?
I didn’t discover My Morning Jacket until later, but once I did, I was hooked. There’s a natural, unforced quality to their music that I really admire. It feels like they let their creative impulses lead the way, and I’ve tried to adopt that approach in my own work. It has led to a prolific year! This is my fourth single in five months, and I’ve got at least four more on the way by 2026.
As for Jimmy Eat World, I’ve been a fan for years. When Joel Nanos and I were talking about the guitar sound for Sugar Rush, I referenced their Bleed American album. That led to some amazing tones, thanks to Joel pulling out a vintage Gibson Falcon amp. The sound was exactly what I had in mind.
Is there
any unexpected genre or artist that also influenced the track, even if it’s not
immediately obvious?
Absolutely! The most unexpected influence came in the last verse. There’s a line that goes, “Now even robots with hearts of steel could craft these words, how does that make you feel?” I really wanted the phrase “how does that make you feel?” to sound robotic.
We tried a bunch of ways to achieve that effect, but nothing was quite right until I referenced Daft Punk’s Harder, Better, Faster, Stronger. I knew I wanted that vocoder sound, so Joel helped me track it down. He even lent me a vocoder to take home, which was a game-changer. I ended up recording that line in my basement and sending it back to Joel, who incorporated it into the final mix.
This experience also inspired me to set up a home studio so I can start recording demos on my own moving forward. Until now, most of my ideas have stayed in my head before hitting the studio, so this was a big step.
How was
it to work with Jim Embry again?
Working with Jim was amazing, as always. We’ve known each other since we were 13 and played in our first band together, and our families are really close now that we’re both fathers. It felt completely natural to have him involved in the project.
We actually started the bass parts at his house, with me bouncing between guitar and drums. When we got into the studio, we tracked the bass and drums together, which created a really organic rhythm section and helped us work faster.
What did
Joel Nanos bring to the project beyond his role as sound engineer?
Joel is a wizard in every sense of the word. He’s got this amazing ability to create an open, exploratory environment where anything feels possible. He’s willing to try out any idea, no matter how unconventional, and he always puts your vision first.
We experimented with all sorts of instruments—bongos, Wurlitzers, vocoders—and even a harpsichord which will be featured on the next release. His mix skills are also insane; he can turn things around super quickly, and the final product always sounds amazing.
Plus, he knows all the best lunch spots around Element Studios, which is always a bonus!
Was
there a moment in the studio when an improvised idea changed the course of the
song?
The overall structure and vibe of Sugar Rush came out pretty much as I had envisioned, but the unexpected instrumentation really added a special touch. It didn’t so much change the direction of the song but enhanced it in a way I hadn’t anticipated.
What was
the process like of recording part of the track at home and then integrating it
into the final mix?
I’ve already touched on this a bit, but it was a cool process. Recording the robotic vocoder line at home was a new experience for me. Normally, I come in with fully formed ideas, but this time I had to dive into a more hands-on, DIY approach. Once I got it right, sending it back to Joel for the final mix felt like a nice blend of homegrown creativity and professional polish.
Do you
think art has a responsibility to address social and political issues?
I don’t think art has a “responsibility” in the same way a tool like a hammer does. I don’t think it is something we can choose to use in that sense. But I do believe it is the nature of art to reflect the state of society, whether we want it to or not. Art always tells us something about the culture that created it.
Whether it’s ancient hieroglyphics, Impressionist paintings, tribal drums, or Taylor Swift—art holds up a mirror to society. It’s not always about solving problems, but it has the potential to spark critical thinking, and that’s what can drive change.
What can
the audience expect from your October 9th show in Kansas City?
A good time, for sure! It’s funny, I’ve been pretty critical of humanity’s appetite for entertainment, and here I am planning lights, smoke, and maybe even some confetti. But I guess that’s just part of the human experience. To indulge in quoting myself, “I’m part of the swarm drawn to the flame”. lol.
I’ll be playing with a full band consisting of some incredible, long-standing Kansas City musicians: Kyle Devlin from Gametime, Dave Dalby from Atlas, and Jim Embry of Root and Stem (who’s also got his own solo record out, recorded at Element Studios). We’re headlining a night with two of my longtime, dear friends—Margo Mae and Tim York—who will be opening the show. It’s going to be a night full of good music, good people, and a lot of energy. Hope to see you there!
Entrevista con Jared Bond: Sugar Rush de Kansas City al
mundo
Tu nuevo single, Sugar Rush, reflexiona sobre el
estado caótico del mundo. ¿Qué hecho o experiencia personal te inspiró a
escribirlo?
Tienes razón en que la canción captura el estado caótico del mundo. Honestamente, no estuvo inspirada en un evento específico, sino más bien en una sensación general de todo lo que está ocurriendo a nuestro alrededor. Hay mucha agitación afuera, y aunque desearía que algunas de esas cosas no existieran, creo que es importante reflexionar sobre ello a través del arte. Escribir canciones es mi manera de darle sentido a mi propio rol dentro de todo eso.
A menudo soy bastante crítico con la humanidad en mis letras, y Sugar Rush no es la excepción. Estaba escuchando mucho a Bright Eyes y a Father John Misty mientras escribía, y su mezcla de crítica aguda con autoconciencia fue una gran influencia.
Has mencionado a Father John Misty como una influencia en
tu escritura. ¿Qué aprendiste de su estilo que aplicas aquí?
Las letras de Father John Misty son una clase magistral de sutileza e ingenio. La forma en que puede dar vuelta una frase o jugar con el ritmo de una línea es algo que realmente admiro. También valoro cómo sus letras suelen ir directo a problemas humanos profundos y defectos, y los transforma en algo con lo que uno se puede identificar.
Supongo que me acerco al arte de la misma manera en que algunas personas se acercan a la comida: los dulces están bien de vez en cuando, pero necesitas sustancia para sostenerte. Eso es lo que busco también en la música. Seguro sueno un poco pretencioso diciendo esto, pero es lo que siento. O eso, o simplemente me estoy poniendo viejo, jaja.
En cuanto al sonido, ¿cómo se combinan las referencias de
My Morning Jacket y Jimmy Eat World en este single?
No descubrí a My Morning Jacket hasta más tarde, pero una vez que lo hice, quedé enganchado. Hay una cualidad natural, no forzada, en su música que admiro mucho. Se siente como si dejaran que sus impulsos creativos guiaran el camino, y he tratado de adoptar ese enfoque en mi propio trabajo. ¡Eso me ha llevado a un año prolífico! Este es mi cuarto single en cinco meses, y tengo al menos cuatro más en camino de aquí a 2026.
En cuanto a Jimmy Eat World, he sido fan por años. Cuando Joel Nanos y yo estábamos hablando sobre el sonido de guitarra para Sugar Rush, hice referencia a su álbum Bleed American. Eso llevó a unos tonos increíbles, gracias a que Joel sacó un amplificador Gibson Falcon vintage. El sonido fue exactamente lo que tenía en mente.
¿Hubo algún género o artista inesperado que también
influyó en la canción, aunque no sea evidente de inmediato?
¡Absolutamente! La influencia más inesperada llegó en el último verso. Hay una línea que dice: “Now even robots with hearts of steel could craft these words, how does that make you feel?”. Realmente quería que la frase “how does that make you feel?” sonara robótica.
Probamos de muchas maneras para lograr ese efecto, pero nada quedaba del todo bien hasta que pensé en Harder, Better, Faster, Stronger de Daft Punk. Sabía que quería ese sonido de vocoder, así que Joel me ayudó a conseguirlo. Incluso me prestó un vocoder para llevar a casa, lo cual fue un antes y un después. Terminé grabando esa línea en mi sótano y se la mandé a Joel, quien la incorporó en la mezcla final.
Esa experiencia también me inspiró a montar un estudio casero para empezar a grabar mis propios demos. Hasta ahora, la mayoría de mis ideas se quedaban en mi cabeza antes de llegar al estudio, así que fue un gran paso.
¿Cómo fue volver a trabajar con Jim Embry?
Trabajar con Jim fue increíble, como siempre. Nos conocemos desde que teníamos 13 años y tocamos juntos en nuestra primera banda. Nuestras familias ahora son muy cercanas, ya que ambos somos padres. Fue completamente natural tenerlo involucrado en el proyecto.
De hecho, empezamos a trabajar las partes de bajo en su casa, con yo alternando entre guitarra y batería. Cuando entramos al estudio, grabamos bajo y batería juntos, lo que creó una sección rítmica muy orgánica y nos permitió trabajar más rápido.
¿Qué aportó Joel Nanos al proyecto más allá de su rol de
ingeniero de sonido?
Joel es un mago en todo el sentido de la palabra. Tiene esta increíble capacidad de crear un ambiente abierto y exploratorio donde todo parece posible. Está dispuesto a probar cualquier idea, por más poco convencional que sea, y siempre pone tu visión en primer lugar.
Experimentamos con todo tipo de instrumentos: bongós, Wurlitzers, vocoders, e incluso un clavecín que aparecerá en el próximo lanzamiento. Sus habilidades de mezcla también son una locura: puede trabajar rapidísimo y el resultado final siempre suena increíble.
Además, conoce todos los mejores lugares para almorzar cerca de Element Studios, ¡lo cual siempre es un plus!
¿Hubo un momento en el estudio en que una idea
improvisada cambió el curso de la canción?
La estructura y el ambiente general de Sugar Rush salieron más o menos como lo había imaginado, pero la instrumentación inesperada realmente le dio un toque especial. No tanto cambió la dirección de la canción, sino que la potenció de una manera que no había anticipado.
¿Cómo fue el proceso de grabar una parte de la canción en
casa e integrarla después en la mezcla final?
Ya mencioné un poco esto, pero fue un proceso genial. Grabar la línea robótica con el vocoder en casa fue una experiencia nueva para mí. Normalmente llego con ideas completamente formadas, pero esta vez tuve que lanzarme a un enfoque más práctico y DIY. Una vez que lo logré, enviárselo a Joel para la mezcla final se sintió como una buena combinación entre creatividad casera y pulido profesional.
¿Crees que el arte tiene la responsabilidad de abordar
cuestiones sociales y políticas?
No creo que el arte tenga una “responsabilidad” de la misma forma que una herramienta como un martillo. No pienso que sea algo que podamos elegir usar en ese sentido. Pero sí creo que es la naturaleza del arte reflejar el estado de la sociedad, queramos o no. El arte siempre nos dice algo sobre la cultura que lo creó.
Ya sean jeroglíficos antiguos, pinturas impresionistas, tambores tribales o Taylor Swift: el arte sostiene un espejo frente a la sociedad. No siempre se trata de resolver problemas, pero tiene el potencial de despertar el pensamiento crítico, y eso es lo que puede impulsar el cambio.
¿Qué puede esperar el público de tu show del 9 de octubre
en Kansas City?
¡Un buen rato, seguro! Es gracioso, he sido bastante crítico con el apetito humano por el entretenimiento, y aquí estoy planeando luces, humo y tal vez hasta un poco de confeti. Pero supongo que eso es parte de la experiencia humana. Para citarme a mí mismo: “Soy parte del enjambre atraído por la llama”. Jaja.
Voy a tocar con una banda completa formada por músicos increíbles de Kansas City con una larga trayectoria: Kyle Devlin de Gametime, Dave Dalby de Atlas y Jim Embry de Root and Stem (quien también tiene su propio disco solista, grabado en Element Studios). Encabezaremos una noche junto a dos de mis queridos amigos de toda la vida: Margo Mae y Tim York, quienes abrirán el show. Será una noche llena de buena música, buena gente y mucha energía. ¡Espero verlos allí!