With a
career that has taken her to the stage with the Grand Rapids Symphony, the
Detroit Symphony, and the Charleston Symphony, Mary Beth Orr now presents a
new project: The Singing Horn. Released in March 2025 by Big
Round Records, this 26-track album interlaces voice and horn to explore the
meeting points between the human voice and brass, in a journey that ranges from
traditional hymns like I’ll Fly Away to Mahler’s Songs of the
Wayfarer. Awarded the Silver Medal for Outstanding Achievement at the 2025
Global Music Awards, the album is, in Orr’s own words, “a love letter to my
life, and to yours.” In this interview, the artist shares the challenges of
this monumental project, the fusion of folk and classical music, and the
influence of nature on her creative process.
What was
the biggest challenge in recording an album with 26 tracks that combine singing
and instrumental performance?
The technique required to play the Horn and to sing are similar in that they use breath, mouth space, and resonators in the head and nasal mask. That is where the similarity stops! They are so complimentary when it comes to storytelling and utilizing colour and tone to weave a complete landscape for the listener. But… It is hard to shift my focus from the mechanics of singing to getting my embouchure (lips) ready for what the horn requires. The horn pieces on this record are incredibly challenging and require so much technique and focus. My voice requires me to be incredibly free, and wilder. Shifting gears like that requires every single part of me, physically, mentally, and emotionally. Also, trying to both settle my breath, and prepare my horn without losing too much time and still holding the artistic space between those changes is intense. When I do this live, the transitions are where I spend a lot of my practice and preparation. It has to look and sound effortless.
The
Singing Horn
won the Silver Outstanding Achievement at the 2025 Global Music Awards. How did
you feel when you received that news?
I was ecstatic. It is incredibly validating to have been chosen out of thousands of submissions in the folk category. I am very aware my album doesn’t sit fully in one genre which can be challenging to promote to listeners, not to mention and awards committee. Ultimately, that award doesn’t just legitimize my record, but the idea none of us have to be limited to one category, label, or identity.
How did
you work on the song order to make the album a cohesive journey for the
listener?
The first few pieces came pretty easily. Appalachia into Wayfaring Stranger really paint the landscape of what it means to be in the Mountains, in the wilderness, hearing the sounds from the peaks down in the holler. When I perform this live, I enter the stage silently and offer no explanation. I consider it an invitation to the audience to just experience without question, especially knowing it is unusual. Wayfaring Stranger leads in to Songs of the Wayfarer by Mahler, a very classical piece, yet both exploring complexities of a life fully lived… culminating in the very traditional “Oh Death”, a death wail song. So, essentially, the first 20 minutes of the record is a fusion song cycle, depicting the story of a life. From there I like to weave back and forth between the genres exploring their common themes (God, Nature, Love, Death) and how they share space with each other the way they do in our lives. We have so many ups and downs throughout our lives and so many different levels of emotion, that I wanted to pace the album as a similar journey. The very traditional “I’ll Fly Away” at the end is a celebration and acknowledgment of all of it. A way of coming full circle and paying the proper respect to one hell of a ride.
How did
the idea of combining folk and classical music come about, instead of keeping
them as separate worlds?
All of my family, both mother and father’s side, come from the Blue Ridge mountains of North Carolina and Shenandoah Valley in Virginia. Mountain music literally runs through my veins. My people grew up poor, and music to them wasn’t about technique or beauty. It was a response to getting through life. It was a reflection of their life as celebration, grief, or just plain stress relief. Their music is as much a part of me as they are. But I also fell in love with classical music as a young girl at the piano. Horn came later, but I majored on both at college in performance. The pressure surrounding the perfection expected from classical musicians is both motivating and debilitating at times. But the passion in classical music was always undeniable to me and I felt just as connected to it as the mountain music of my heritage. Unfortunately, it took a long while for me to be brave enough to celebrate and integrate these two seemingly opposite genres into my performance life. My education didn’t really know what to do with me and I felt I had to pick one thing, specialize on only one part of myself, and shut everything else down. It wasn’t until much later in my life, when I felt a little disillusioned by my orchestral work, that I realized I wasn’t honoring the artist within me. So, I did a Master’s program at Michigan State University as one of their Distinguished Fellows. There, I did a lot of hard work experimenting, questioning, and synthesizing what made me who I was, both as a musician, and as a human. It made me realize these genres were actually incredibly complimentary, inhabiting themes related to God, love, nature, and death in deeply programmatic ways. Both genres told the story of what it means to be human and to live. And I wanted to share that and connect with others.
You live
in a natural environment in Michigan. How does that landscape influence your
music?
Oh, man…. my woods are my safe space. I have landscaping full of pollinating plants and digging in the dirt is my therapy. I get to watch bees, hummingbirds, butterflies, deer, opossums, rabbits, porcupines etc. all just doing their beautiful thing every day. I’ve lost quite enough in my lifetime, come close to losing everything once, and had an exceptional life so far… both amazing and terrifying. My woods and the nature I see cycling through its patterns and seasons, reminds me that even in loss, there is always another rebirth. It gives me calm and peace. It’s also where I feel strongest in my faith with God. So many of my arrangements happen when I’m outside on my property. Whether it’s a firepit at night looking at the stars, weeding, walking with my baby and my dogs, something always comes to me. It might be a hook to a new original I’m working on, or a pulse/beat, to a bass line… I get all my best ideas from nature. It feeds my soul for sure.
Entrevista con Mary Beth Orr: De la sinfonía al folk
Con una carrera que la ha llevado a compartir escenario con
la Grand Rapids Symphony, la Detroit Symphony y la Charleston Symphony, Mary
Beth Orr nos trae entre manos un nuevo proyecto: The
Singing Horn. Publicado en marzo de 2025 por Big Round Records, este disco
de 26 canciones entrelaza canto y viento para explorar los puntos de encuentro
entre la voz humana y el metal, en un recorrido que va desde himnos
tradicionales como I’ll Fly Away hasta las Songs of the Wayfarer
de Mahler. Galardonado con la Medalla de Plata a la Excelencia en los Global
Music Awards 2025, el álbum es, en palabras de la propia Orr, “una carta de
amor a mi vida y a la tuya”. En esta entrevista, la artista nos cuenta sobre
los retos de este monumental proyecto, la fusión entre música folk y clásica, y
la influencia de la naturaleza en su proceso creativo.
¿Cuál fue el mayor desafío al grabar un álbum con 26
temas que combinan canto y ejecución instrumental?
La técnica necesaria para tocar la trompa y para cantar es similar en el uso de la respiración, el espacio bucal y los resonadores de la cabeza y la máscara nasal. Ahí terminan las similitudes. Son muy complementarios a la hora de contar historias y utilizar el color y el tono para tejer un paisaje completo para el oyente. Pero… es difícil cambiar el enfoque de la mecánica del canto a preparar mi embocadura (los labios) para lo que requiere la trompa. Las piezas de trompa en este disco son increíblemente desafiantes y demandan muchísima técnica y concentración. Mi voz, en cambio, exige que sea libre y salvaje. Cambiar de un registro al otro requiere de todo mi ser: físico, mental y emocional. Además, tratar de estabilizar la respiración y al mismo tiempo preparar la trompa sin perder demasiado tiempo y sosteniendo el espacio artístico entre esos cambios es algo muy intenso. Cuando lo hago en vivo, las transiciones son donde más practico y me preparo. Tiene que parecer y sonar sin esfuerzo.
The Singing Horn ganó la Medalla de Plata a la Excelencia
en los Global Music Awards 2025. ¿Cómo te sentiste al recibir esa noticia?
Estaba eufórica. Es increíblemente gratificante haber sido elegida entre miles de postulaciones en la categoría folk. Soy muy consciente de que mi álbum no encaja del todo en un solo género, lo cual puede ser un reto para promocionarlo entre los oyentes, y más aún ante un comité de premios. En definitiva, ese reconocimiento no solo legitima mi disco, sino también la idea de que ninguno de nosotros tiene que limitarse a una categoría, una etiqueta o una identidad.
¿Cómo trabajaste el orden de las canciones para que el
álbum fuera un viaje cohesivo para el oyente?
Las primeras piezas surgieron con bastante facilidad. Appalachia seguida de Wayfaring Stranger pintan el paisaje de lo que significa estar en las montañas, en la naturaleza, escuchando los sonidos desde las cumbres hasta el valle. Cuando lo interpreto en vivo entro en silencio y no doy ninguna explicación. Lo considero una invitación al público a experimentar sin preguntas, especialmente sabiendo que es algo inusual. Wayfaring Stranger conduce a Songs of the Wayfarer de Mahler, una obra muy clásica, pero ambas exploran las complejidades de una vida plenamente vivida… culminando en la muy tradicional Oh Death, un canto fúnebre. Así que, esencialmente, los primeros 20 minutos del disco son un ciclo de canciones de fusión que representan la historia de una vida.
A partir de ahí me gusta ir y venir entre géneros, explorando sus temas comunes (Dios, la Naturaleza, el Amor, la Muerte) y cómo comparten espacio entre sí, tal como lo hacen en nuestras vidas. Tenemos tantos altibajos y diferentes niveles de emoción a lo largo de la vida, que quise estructurar el álbum como un viaje similar. La muy tradicional I’ll Fly Away al final es una celebración y un reconocimiento de todo ello. Una manera de cerrar el círculo y rendir homenaje a este viaje tan intenso.
¿Cómo surgió la idea de combinar música folk y música
clásica, en lugar de mantenerlas como mundos separados?
Toda mi familia, tanto por parte de madre como de padre, proviene de las montañas Blue Ridge en Carolina del Norte y del valle de Shenandoah en Virginia. La música de montaña literalmente corre por mis venas. Mi gente creció en la pobreza, y para ellos la música no tenía que ver con la técnica o la belleza, sino con sobrevivir al día a día. Era un reflejo de su vida: una celebración, un duelo o simplemente una forma de liberar el estrés. Esa música es tan parte de mí como ellos lo son.
Pero también me enamoré de la música clásica cuando era niña, tocando el piano. La trompa llegó después, pero en la universidad me especialicé en ambas disciplinas de interpretación. La presión de la perfección que se espera en los músicos clásicos es a la vez motivadora y paralizante. Aun así, la pasión en la música clásica siempre fue innegable para mí y me sentí tan conectada a ella como a la música de montaña de mis raíces.
Por desgracia, me tomó mucho tiempo atreverme a celebrar e integrar estos dos géneros aparentemente opuestos en mi vida artística. Mi formación no sabía qué hacer conmigo, y sentí que debía elegir una sola cosa, especializarme en un aspecto de mí misma y silenciar todo lo demás. No fue sino hasta mucho después, cuando me sentía un poco desilusionada de mi trabajo orquestal, que me di cuenta de que no estaba honrando a la artista dentro de mí.
Entonces hice una maestría en la Universidad Estatal de Míchigan como una de sus Distinguished Fellows. Allí trabajé intensamente, experimentando, cuestionando y sintetizando lo que me hacía ser quien soy, tanto como música como ser humano. Eso me hizo darme cuenta de que estos géneros en realidad son increíblemente complementarios, habitando temas relacionados con Dios, el amor, la naturaleza y la muerte de manera profundamente programática. Ambos géneros cuentan la historia de lo que significa ser humano y vivir. Y yo quería compartir eso y conectar con otros.
Vives en un entorno natural en Míchigan. ¿Cómo influye
ese paisaje en tu música?
Oh, vaya… mis bosques son mi refugio. Tengo un jardín lleno de plantas polinizadoras y trabajar con la tierra es mi terapia. Todos los días puedo observar abejas, colibríes, mariposas, ciervos, zarigüeyas, conejos, puercoespines… todos haciendo sus cosas hermosas. He perdido bastante en mi vida, estuve a punto de perderlo todo una vez, y he tenido una vida excepcional hasta ahora… tanto maravillosa como aterradora.
Mis bosques y la naturaleza, con sus ciclos y estaciones, me recuerdan que incluso en la pérdida siempre hay un renacimiento. Me dan calma y paz. También es donde me siento más fuerte en mi fe en Dios. Muchas de mis ideas y arreglos surgen cuando estoy afuera, en mi propiedad. Ya sea en la fogata de noche mirando las estrellas, desmalezando, paseando con mi bebé y mis perros… siempre me llega algo. Puede ser un estribillo para una nueva canción original, o un pulso/ritmo para una línea de bajo… Todas mis mejores ideas vienen de la naturaleza. Ella alimenta mi alma, sin duda.