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Interview: Reeya Banerjee tells us the story behind This Place


Reeya Banerjee brings us her second album, This Place, independently released on August 22, 2025. The Hudson Valley–based singer-songwriter crafts an authentic musical map, where each song is anchored in a location in the United States that marked her life: scenes of love, loss, memory, and transformation.

Following her debut The Way Up (2022), which explored her recovery from a mental health crisis, Banerjee takes another step forward: a conceptual album, sonically diverse, co-written and produced with her longtime collaborator Luke Folger, and recorded at Lorien Sound Studios (Brooklyn) with contributions from James Rubino. In this interview, she tells us all about her new album—don’t miss it!

Each song on This Place is centered around a specific place where you experienced something significant in your life. How did this idea for the album come about?

My first album, The Way Up, was written about recovering from a significant mental health crisis in 2019. It was deeply personal and centered on the aftermath—on healing and resilience. But when I started thinking about a follow-up, I realized I wanted to dig deeper and explore the places and moments that shaped me before that crisis. I wanted to understand what brought me to the brink, but also what helped me crawl back out.

At the same time, I was listening to a lot of Bruce Springsteen—especially the song Land of Hope and Dreams, which taps into that sweeping, mythic vision of Americana. I knew my version of America didn’t look like Bruce’s, but it still felt important to write into that tradition in my own voice—as a middle-aged woman of color, born in the U.S. to immigrant parents. Even though my parents' immigrant story isn’t explicitly told in the songs, it’s embedded in how I experience America and in the emotional DNA of the record.

So the idea for This Place grew from there. I realized I was making a concept album long before I admitted it to myself. These are songs rooted in geography, but they’re also about identity—about what we carry with us from the places we’ve been, and what we leave behind.

 

What does “Misery of Place” represent in your personal story?

Misery of Place wrestles with the boundary between geography and identity—the question of whether it’s the place that’s broken, or you. Inspired by a brutally honest question someone once asked a friend of mine—“Is it misery of place, or misery of self?”—this song became a kind of anthem for people stuck in places that no longer fit. Or maybe never did.

It’s cheeky, crunchy, and driven by 90s power pop swagger, but there’s a real ache under the surface. It’s a character-driven song about change, blame, and trying to rewrite your story without rewriting your whole self.

 


In “For the First Time,” you portray a moment of transition in your life. How do you feel when you listen to it now with perspective?

I was rehearsing “For the First Time” with my band the other day, and it hit me that the moment I’m singing about in that song—my early twenties—is now nearly 17 years ago. That blows my mind.

Back then, I thought I had things figured out. The song captures a real moment of self-discovery: my first job, my first serious love, my first sense of real agency as an adult. It’s a love song not just to a person, but to the Hudson Valley region of New York, and to a version of myself who was just beginning to take shape.

Listening to it now, I feel a mix of tenderness and amusement. Like, “Oh, little 23-year-old Reeya, you had so much still to learn.” But I also feel proud of her. That version of me was confident and hopeful, even if a little naive. And that confidence—even when misplaced—helped carry me forward. The song still rings true, just with a different emotional texture now that I’m 40.

 

In this album, you once again collaborated with Luke Folger. How would you describe the creative chemistry you two share?

Luke and I have a really unique creative partnership.  In addition to being the drummer in my band, he’s my co-writer, producer, and co-conspirator in every sense. We met through mutual friends and just clicked. Our collaboration feels like filmmaking in many ways—I bring in the emotional script, and he helps me score the scenes.

Luke’s ability to hear the emotional shape of a song and build a sonic world around it is uncanny. He challenges me to be bolder and more honest, and he’s incredibly intuitive about knowing when to push and when to let something breathe. I trust him completely. This Place would not exist without him.

 


What did James Rubino contribute to the final sound of the album? What was it like working with him?

James Rubino is my best friend in the world. He’s like my little brother—someone who’s known me for a long time and knows both my voice and my heart. He played lead guitar in my band when we were touring The Way Up, and he currently plays lead guitar in the new iteration of my band for this record, but this was the first time I brought him into the studio for a project with Luke.

James and I go way back. During the pandemic, we recorded a series of covers in his home studio just to keep from getting bored—that project, #coronamusic, was where we both learned how to be studio musicians. Since then, he’s evolved into a phenomenal engineer and producer in his own right. He now owns his own studio, Lorien Sound in Brooklyn, and his fingerprints are all over this record.

Luke is an incredible producer, but he’s not as technical when it comes to engineering. So having James at the board meant Luke could focus more on directing the artistic vision, and I could focus on performance—knowing we were in incredibly capable hands sonically. It gave all of us freedom.

More than that, though, James just gets me. He understands the emotional arc of these songs and knows how to capture them in a way that feels intimate but also expansive. I’m so glad he was part of this project. He helped bring these songs to life.

 

reeyabanerjee | Linktree


Entrevista: Reeya Banerjee nos cuenta la historia detrás de This Place

Reeya Banerjee nos trae su segundo álbum This Place, lanzado de forma independiente el 22 de agosto de 2025. La cantautora radicada en Hudson Valley construye aquí un auténtico mapa musical, donde cada canción se ancla en un lugar de Estados Unidos que marcó su vida: escenarios de amor, pérdida, memoria y transformación.

Tras el debut The Way Up (2022), en el que abordaba la recuperación de una crisis de salud mental, Banerjee da otro paso más: un disco conceptual, sonoramente diverso, coescrito y producido junto a su colaborador habitual Luke Folger, y grabado en Lorien Sound Studios (Brooklyn) con la participación de James Rubino. En esta entrevista nos cuenta todo acerca del nuevo disco, ¡no se la pierdan!

 

Cada canción de This Place está centrada en un lugar específico donde viviste algo significativo en tu vida. ¿Cómo surgió esta idea para el álbum?

Mi primer álbum, The Way Up, fue escrito sobre la recuperación de una crisis importante de salud mental en 2019. Era profundamente personal y se centraba en las secuelas—en la sanación y la resiliencia. Pero cuando empecé a pensar en un sucesor, me di cuenta de que quería profundizar más y explorar los lugares y momentos que me habían marcado antes de esa crisis. Quería entender qué me había llevado al borde, pero también qué me ayudó a salir de allí.

Al mismo tiempo, estaba escuchando mucho a Bruce Springsteen—especialmente la canción Land of Hope and Dreams, que conecta con esa visión mítica y expansiva de lo americano. Yo sabía que mi versión de Estados Unidos no se parecía a la de Bruce, pero aún así sentía importante escribir dentro de esa tradición con mi propia voz—como mujer de color de mediana edad, nacida en EE. UU. de padres inmigrantes. Aunque la historia migratoria de mis padres no aparece explícitamente en las canciones, está incrustada en la manera en que experimento Estados Unidos y en el ADN emocional del disco.

Así nació la idea de This Place. Me di cuenta de que estaba haciendo un álbum conceptual mucho antes de admitirlo. Son canciones enraizadas en la geografía, pero también sobre la identidad—sobre lo que cargamos con nosotros de los lugares en los que hemos estado, y lo que dejamos atrás.

 

¿Qué representa “Misery of Place” en tu historia personal?

Misery of Place lidia con la frontera entre geografía e identidad—la pregunta de si es el lugar lo que está roto, o si eres tú. Inspirada en una pregunta brutalmente honesta que alguien le hizo a un amigo mío—“¿es miseria del lugar, o miseria de uno mismo?”—esta canción se convirtió en una especie de himno para la gente atrapada en sitios que ya no encajan. O quizás nunca lo hicieron.

Es juguetona, crujiente, con el desparpajo del power pop de los 90, pero hay un dolor real bajo la superficie. Es una canción conducida por un personaje, sobre el cambio, la culpa y el intento de reescribir tu historia sin reescribir todo tu ser.

 

En “For the First Time”, retratas un momento de transición en tu vida. ¿Cómo te sientes cuando la escuchas ahora con otra perspectiva?

El otro día estaba ensayando For the First Time con mi banda, y me cayó la ficha de que el momento del que canto en esa canción—mis veintitantos—fue hace ya casi 17 años. Eso me vuela la cabeza.

En ese entonces, pensaba que ya lo tenía todo claro. La canción captura un momento real de autodescubrimiento: mi primer trabajo, mi primer amor serio, mi primera sensación de verdadera agencia como adulta. Es una canción de amor no solo a una persona, sino también a la región del Hudson Valley en Nueva York, y a una versión de mí misma que recién empezaba a tomar forma.

Al escucharla ahora, siento una mezcla de ternura y diversión. Como diciendo: “Oh, pequeña Reeya de 23, aún tenías tanto por aprender”. Pero también me siento orgullosa de ella. Esa versión de mí era confiada y esperanzada, aunque un poco ingenua. Y esa confianza—aun cuando estaba mal ubicada—me ayudó a seguir adelante. La canción todavía resuena, solo que ahora con una textura emocional distinta, propia de mis 40.

 

En este álbum colaboraste una vez más con Luke Folger. ¿Cómo describirías la química creativa que comparten?

Luke y yo tenemos una sociedad creativa realmente única. Además de ser el baterista de mi banda, es mi coautor, productor y cómplice en todo sentido. Nos conocimos a través de amigos en común y enseguida conectamos. Nuestra colaboración se siente mucho como hacer cine: yo traigo el guion emocional, y él me ayuda a ponerle música a las escenas.

La capacidad de Luke para escuchar la forma emocional de una canción y construir un mundo sonoro alrededor es asombrosa. Me reta a ser más audaz y honesta, y es increíblemente intuitivo para saber cuándo empujar y cuándo dejar que algo respire. Confío plenamente en él. This Place no existiría sin él.

 

¿Qué aportó James Rubino al sonido final del álbum? ¿Cómo fue trabajar con él?

James Rubino es mi mejor amigo en el mundo. Es como mi hermano menor—alguien que me conoce desde hace mucho tiempo y conoce tanto mi voz como mi corazón. Tocó la guitarra principal en mi banda cuando girábamos con The Way Up, y actualmente toca la guitarra principal en la nueva formación de mi banda para este disco, pero esta fue la primera vez que lo llevé al estudio para un proyecto con Luke.

James y yo venimos de lejos. Durante la pandemia grabamos una serie de covers en su estudio casero solo para no aburrirnos—ese proyecto, #coronamusic, fue donde ambos aprendimos a ser músicos de estudio. Desde entonces, él ha evolucionado en un ingeniero y productor fenomenal. Ahora tiene su propio estudio, Lorien Sound, en Brooklyn, y sus huellas están por todo este disco.

Luke es un productor increíble, pero no es tan técnico en lo que respecta a la ingeniería. Así que tener a James en la consola significaba que Luke podía concentrarse más en dirigir la visión artística, y yo podía enfocarme en la interpretación—sabiendo que estábamos en manos sonoras increíblemente capaces. Eso nos dio libertad a todos.

Más allá de eso, James simplemente me entiende. Comprende el arco emocional de estas canciones y sabe cómo capturarlas de un modo que se siente íntimo pero también expansivo. Me alegra tanto que haya sido parte de este proyecto. Ayudó a darle vida a estas canciones.