Adai Song —also known by her electronic alter ego ADÀI— is a singer, producer, DJ, and songwriter who fuses the sounds of traditional Chinese music with the energy of EDM, building a bridge between East and West.
Her new album, The Bloom Project, currently under Grammy consideration in the Best Global Music Album category, offers a feminist reinterpretation of shidaiqu —the 1920s Shanghai genre that blended Western jazz with Chinese melodies during the city’s golden age.
With this work, Adai
revisits a century of musical history, rewriting it through a modern,
empowered, and deeply personal lens. We spoke with her about the creative
process behind the album, her artistic evolution, and how living between
cultures can become an endless source of inspiration.
What drew you to that
golden era of Chinese music as a starting point for The Bloom Project?
Your songs revisit classical female figures. How do they resonate with the
modern woman?
I’ve always been fascinated by that golden era of shidaiqu — the early fusion of East and West that shaped modern Chinese pop. It was a moment when Chinese women’s voices first entered the recorded world, becoming part of a global sound. Looking back a hundred years later, I’m amazed by how much has changed. A century carries its own kind of magic; it’s long enough for transformation, yet close enough for memory to still breathe.
But when I revisited that era, I realized something deeper. Almost all the producers and songwriters back then were men, even for those songs from a woman’s perspective. Women were mostly just the voice, not the creators. Reimagining those songs now felt like reclaiming authorship. This time, I’m the producer, leading the vision, assembling a team, and shaping how the sound and story unfold. It’s a rebalancing of power dynamics that celebrates the era I grew up in, the one that finally gives women the tools and freedom to define our own narratives.
When men used to imagine what women might think or write about, they often missed the truth of it, or were limited by the ear they were in. For example, except for Night Shanghai, which was about showgirls working to support their families, all the rest were about women being pretty, being desired, or wanting to find love. But as a woman growing up in this new era, I want to talk about not just love, but also self-worth, pursuit, and fulfillment in life.
Musically, I fused two things I deeply love — East Asian instruments and EDM — to reflect that same dialogue between past and present, softness and strength, tradition and technology. The Bloom Project became my way of honoring the women of the past while embodying the possibilities of this new era.
Was there any track
on the album that was particularly challenging to reimagine?
I would say “Wuxi Tune” was definitely the hardest one. It was actually the last track we produced out of the eight, so by that point, I was already a little bit fatigued from the whole process. Usually, I’m the one giving my co-producer a clear production structure to extend from — but this time, I kept saying, “Hey, can you throw me some ideas?” because I felt like I had already poured so much into the previous tracks.
Initially, I only gave Yuanming half of the song, along with a few early concepts. I imagined it starting with a drum-and-bass-style drum fill, but when he heard that, he transformed it into more of a UK garage groove — and I decided to go along with it. What made the project even trickier was that we were reworking my friend Siyi Chen’s jazz interpretation of this centuries-old Chinese folk melody. The original tune has existed for hundreds of years, and it’s been adapted across China in Northern, Southern, and Western regional versions. So the challenge wasn’t just to make a good track; it was to reinvent something deeply familiar in a fresh way.
Because it was the last track and I was already tired, the ideas didn’t flow as quickly as they usually do. But once my co-producer sent me his draft, something clicked. I began extending it, experimenting with cutting, flipping, and re-processing stems from Siyi’s jazz arrangement. We literally took each instrumental line, chopped it into tiny fragments, and reassigned them: maybe the first few notes went to saxophone, the next to piano, and then to guzheng. That’s how we created this choppy yet continuous melodic texture. It’s full of micro-edits, a lot of cutting and flipping, but the end result feels fluid.
“Wuxi Tune” became not just a technical challenge, but also a mental one. Learning to push through fatigue, to trust collaboration, and to reinvent tradition in a way that still feels alive.
Could you tell us about the production and collaboration process with
engineers and musicians from so many different countries? / You’ve described
your work as a bridge between East and West. What does it mean to you to be an
artist living between two cultures?
I grew up in China, came to the U.S. for college, and along the way, I also learned German as a third language. I’ve always loved how people from different cultures think differently, listen differently, and experience music through the lens of their own language and mindset. Every time I switch languages, I almost feel like I become a different version of myself, capable of expressing something new. That feeling, whether it’s an illusion or a truth, gives me so much creative power.
Living between cultures also taught me how to recognize and connect talent across different worlds. It’s not just about blending styles; it’s about understanding how people hear. For example, in China I might meet a guzheng player who grew up in a very traditional environment, performing delicate, ancient tunes. They might never imagine their instrument living inside an electronic, high-energy track. But because I’ve experienced both cultural and musical systems, like I’ve heard club music in New York and Berlin, and folk melodies in Shanghai, I can already hear how these worlds can coexist. So I’ll tell them, “play something on this beat or bassline,” and suddenly, a new sound is born.
It’s definitely a privilege to be able to know about different cultures, which allows me to create on a different capacity and bridge music together. So I get to invite talents into a shared vision where their own background becomes part of something bigger. The Bloom Project is built on that kind of dialogue: East and West, old and new, tradition and technology, femininity and strength. Living in between cultures gives me the ability to bridge those gaps, and to turn them into sound.
You started with classical violin training and later became a producer
and DJ. How was the transition?
I started off with classical violin when I was 3, and I’m so grateful to my mom for insisting on that early training. Classical music gave me a foundation in melody and discipline. Honestly, I think that’s why I’ve always had a strong sense of melody. My mom says that as a kid, I never stopped singing or humming. I’d just make up melodies everywhere I went.
When I was twelve, I wrote my first song without realizing that’s what I was doing. I had heard enough pop songs on the radio to understand what a verse and a chorus were, so one day I wrote down a melody. Then I thought, “Maybe I can add some lyrics.” The next day I asked my best friend, who was a pianist, to play with me. She listened, started finding chords, and we recorded the song on our old phones. That was my first taste of songwriting, completely unplanned but deeply satisfying.
From there, everything unfolded naturally. I picked up a guitar to help myself write better, learned chord progressions, and eventually studied music theory in college. After participating in The Force competition in Beijing, I landed my first record deal and started touring as a singer-songwriter. That was my entry into the industry — playing festivals, collaborating with bigger labels, and seeing how music production really works.
Working closely with producers was eye-opening. I began realizing that I had sonic ideas in my head that I wanted to bring to life. I wasn’t just writing songs anymore. I was already thinking about how they should sound. That’s when I decided to pursue my master’s at Berklee NYC, where I studied songwriting and production. Learning production officially was empowering. I wanted to understand the entire process, from writing to arrangement to sound design.
DJing came quite naturally after that. Once you start producing, you start thinking in rhythm and energy: how to transition between songs, how to build a flow. For me, moving from melody to songwriting, then to producing and DJing, was a very organic evolution. Each stage just expanded what I could express.And realistically, it earns the most haha, especially for an expensive city like NYC.
Berklee NYC was also a huge turning point for me professionally. I went from being a student to a graduate fellow, and eventually a faculty member. The program didn’t just give me technical skills; it gave me a creative community. My album The Bloom Project was partially funded by a faculty recording grant there, and several of my collaborators were people I met through Berklee. For example, Lionzed and Nathan Han, who both played on the record, were my students; and Rachel Alina, my mastering engineer, was first my professor, then my colleague. She was also the one who invited me to teach at New Music Engineering, where I got to know so many mixing engineers from all around the world.
So in many ways, my whole journey — from classical violin to songwriting, to production and DJing — feels like one continuous arc. Each stage opened another door, and every person I met along the way became part of the sound I make today.
What did you learn from your experience in The Force competition
and from your debut Cyan Black?
The Force competition definitely opened the door for me into the professional music world. It was my first real exposure to how the industry operates — teamwork, collaboration, and creative discipline. After that, I signed with my first label and began working on my debut album Cyan Black, which became an important learning experience in every sense.
Before that project, I had written plenty of songs, but I wasn’t yet fluent in digital production. I didn’t really know my way around a DAW. Working closely with my producer Tian Liang on Cyan Black, I started to understand how songs are built sonically. I learned a lot just by watching him — how he arranged parts, shaped textures, and made small decisions that completely changed a track’s emotion. Through my label, I was also invited to several writing camps with Sony ATV, UMG, and Warner Chappell, which was an entirely new experience. Suddenly, I was sitting in a room with total strangers, and after ten minutes of conversation, we were writing a song together. It was my introduction to the streamlined, collaborative world of pop music.
During that time, I began to realize that I didn’t just think like a songwriter; I was hearing songs in terms of sound design and atmosphere. I found myself constantly describing to my producer the kind of tone, rhythm, or emotion I wanted to hear. Sometimes argue with him too for different sound choices. By the end of Cyan Black, he told me something that stuck with me:
“You’ve got a producer in you. You should produce your next album yourself.”
And that’s exactly what I did. The Bloom Project became my first self-produced full-length record, after producing many singles and an EP to hone my skills. It’s the result of everything I learned from that early journey — the mentorship, the studio observation, the writing camps, and the growing belief that I could finally bring my own sonic vision to life. And of course, when I say self-produced, it doesn’t mean I did everything; rather, I chose the team that worked with me; I intentionally gathered the talents to work towards a collective vision. It’s teamwork after all.
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Entrevista con Adai Song: Reimaginar el pasado es una forma de reclamar la voz femenina
Adai Song —también conocida por
su faceta electrónica ADÀI— es una cantante, productora, DJ y compositora. Song fusiona los sonidos de
la música tradicional china con la energía del EDM, trazando un puente entre
Oriente y Occidente.
Su nuevo álbum, The Bloom
Project, actualmente en consideración para los Premios Grammy en la
categoría Best Global Music Album, propone una reinterpretación feminista del
“shidaiqu”, el estilo que en los años 20 combinó el jazz occidental con
melodías chinas en el Shanghái de la era dorada.
Con esta obra, Adai revisita un
siglo de historia musical para reescribirlo desde una mirada moderna,
empoderada y profundamente personal. Hablamos con ella sobre el proceso de
creación del álbum, su evolución como artista, y cómo vivir entre culturas
puede transformarse en una fuente inagotable de inspiración.
¿Qué te atrajo de esa era
dorada de la música china como punto de partida para The Bloom Project? Tus
canciones revisitan figuras femeninas clásicas. ¿Cómo dialogan con la mujer
contemporánea?
Siempre me ha fascinado esa era dorada del shidaiqu —la primera fusión entre Oriente y Occidente que dio forma al pop chino moderno. Fue un momento en que las voces femeninas chinas ingresaron por primera vez al mundo de la grabación, convirtiéndose en parte de un sonido global. Cien años después, me impresiona cuánto ha cambiado todo. Un siglo tiene su propia magia: es lo bastante largo para transformar algo, pero aún lo suficientemente cercano para que la memoria siga respirando.
Pero al revisitar esa época descubrí algo más profundo. Casi todos los productores y compositores de entonces eran hombres, incluso en canciones que hablaban desde una voz femenina. Las mujeres eran mayormente la voz, no las creadoras. Reimaginar esas canciones hoy fue como reclamar la autoría. Esta vez soy yo la productora, quien lidera la visión, arma el equipo y define cómo se desarrolla el sonido y la historia. Es una forma de reequilibrar las dinámicas de poder y celebrar la era en la que crecí, aquella que finalmente brinda a las mujeres las herramientas y la libertad para definir nuestras propias narrativas.
Cuando los hombres imaginaban lo que las mujeres podían pensar o escribir, a menudo no captaban la verdad o estaban limitados por la época. Excepto por “Night Shanghai”, que trataba sobre showgirls que trabajaban para mantener a sus familias, casi todas las demás canciones hablaban de mujeres bonitas, deseadas o que buscaban amor. Pero como mujer en esta nueva era, quiero hablar no solo del amor, sino también del valor propio, de la búsqueda y de la plenitud en la vida.
Musicalmente, fusioné dos cosas que amo profundamente: los instrumentos de Asia oriental y el EDM, para reflejar ese mismo diálogo entre pasado y presente, suavidad y fuerza, tradición y tecnología. The Bloom Project se convirtió en mi manera de honrar a las mujeres del pasado mientras encarnaba las posibilidades de esta nueva era.
¿Hubo alguna canción del álbum
que resultara especialmente desafiante de reimaginar?
Diría que “Wuxi Tune” fue, sin duda, la más difícil. De hecho, fue la última que produjimos de las ocho, así que ya estaba algo agotada del proceso. Normalmente soy yo quien le da al coproductor una estructura clara de producción, pero esta vez le pedí: “¿Podés tirarme algunas ideas?”, porque sentía que ya había vertido toda mi energía en los temas anteriores.
Al principio le di a Yuanming solo la mitad de la canción y algunos conceptos iniciales. Imaginaba que comenzara con un ritmo de batería tipo drum and bass, pero él lo transformó en un groove más cercano al UK garage, y decidí seguir esa dirección. Lo que lo hizo aún más complejo fue que estábamos reelaborando la interpretación jazzística de mi amiga Siyi Chen de una melodía folklórica china con siglos de historia. La melodía original ha existido durante cientos de años y se ha adaptado en versiones del norte, sur y oeste de China. El desafío no era solo crear una buena canción, sino reinventar algo profundamente familiar de una forma fresca.
Como era la última canción y ya estaba cansada, las ideas no fluían tan rápido como de costumbre. Pero cuando mi coproductor me envió su borrador, algo hizo clic. Empecé a extenderlo, experimentando con cortes, fragmentos y re-procesando stems de la versión jazz de Siyi. Tomamos cada línea instrumental, la cortamos en fragmentos diminutos y las reasignamos: tal vez las primeras notas iban al saxofón, las siguientes al piano y luego al guzheng. Así creamos esa textura melódica entrecortada pero continua. Está llena de microediciones, de cortes y giros, pero el resultado final fluye naturalmente.
“Wuxi Tune” se convirtió no solo en un desafío técnico, sino también mental. Aprendí a empujar mis límites, a confiar en la colaboración y a reinventar la tradición de un modo que todavía se sienta vivo.
¿Podrías contarnos cómo fue el
proceso de producción y colaboración con ingenieros y músicos de tantos países
distintos? / Has descrito tu trabajo como un puente entre Oriente y Occidente.
¿Qué significa para ti ser una artista que habita entre dos culturas?
Crecí en China, vine a Estados Unidos para estudiar, y en el camino también aprendí alemán como tercer idioma. Siempre me ha fascinado cómo las personas de distintas culturas piensan, escuchan y experimentan la música de forma diferente, según su idioma y mentalidad. Cada vez que cambio de idioma, siento que me convierto en otra versión de mí misma, capaz de expresar algo nuevo. Esa sensación —sea una ilusión o una verdad— me da un enorme poder creativo.
Vivir entre culturas también me enseñó a reconocer y conectar talentos de diferentes mundos. No se trata solo de mezclar estilos, sino de entender cómo las personas escuchan. En China, por ejemplo, puedo encontrarme con un intérprete de guzheng que creció tocando piezas delicadas y antiguas, sin imaginar jamás su instrumento dentro de una pista electrónica de alta energía. Pero como he vivido ambos sistemas culturales y musicales —he escuchado música de clubes en Nueva York y Berlín, y melodías folclóricas en Shanghái— ya puedo oír cómo esos mundos pueden coexistir. Les digo: “Tocá algo sobre este beat o esta línea de bajo”, y de repente nace un sonido nuevo.
Es un privilegio conocer distintas culturas; eso me permite crear desde otra capacidad y tender puentes musicales. Puedo invitar a artistas a una visión compartida donde su bagaje se convierte en parte de algo más grande. The Bloom Project se construye sobre ese tipo de diálogo: Oriente y Occidente, lo antiguo y lo nuevo, la tradición y la tecnología, la feminidad y la fuerza. Vivir entre culturas me da la habilidad de unir esos mundos y transformarlos en sonido.
Comenzaste con formación
clásica en violín y luego te convertiste en productora y DJ. ¿Cómo fue esa
transición?
Empecé con violín clásico a los tres años, y le agradezco a mi madre por insistir en esa formación temprana. La música clásica me dio una base en melodía y disciplina. Creo que por eso siempre tuve un fuerte sentido melódico. Mi mamá dice que de niña nunca dejaba de cantar o tararear; inventaba melodías en cualquier parte.
A los doce escribí mi primera canción sin saber que eso era lo que hacía. Ya había escuchado suficientes temas pop en la radio para entender lo que era un verso y un estribillo, así que un día compuse una melodía y pensé: “Tal vez puedo añadirle una letra”. Le pedí a mi mejor amiga, que era pianista, que tocara conmigo. Escuchó, encontró los acordes y grabamos la canción en nuestros viejos teléfonos. Esa fue mi primera experiencia de composición: totalmente espontánea, pero muy satisfactoria.
A partir de ahí todo se dio naturalmente. Empecé a tocar guitarra para escribir mejor, aprendí progresiones de acordes y estudié teoría musical en la universidad. Después de participar en el concurso The Force en Beijing, firmé mi primer contrato discográfico y comencé a hacer giras como cantautora. Esa fue mi entrada a la industria: tocar en festivales, colaborar con grandes sellos y ver de cerca cómo funciona la producción musical.
Trabajar con productores fue una revelación. Me di cuenta de que tenía ideas sonoras en la cabeza que quería materializar. Ya no solo escribía canciones: pensaba cómo debían sonar. Entonces decidí estudiar mi maestría en Berklee NYC, donde aprendí composición y producción. Estudiar producción fue empoderador. Quería entender todo el proceso: desde la escritura hasta el diseño sonoro.
Ser DJ vino naturalmente después. Cuando empezás a producir, empezás a pensar en ritmo y energía: cómo transicionar entre canciones, cómo construir una atmósfera. Pasar de la melodía a la composición, y luego a la producción y al DJing, fue una evolución orgánica. Cada etapa amplió lo que podía expresar. (Y, siendo realista, ¡también es lo que más renta, especialmente en una ciudad cara como Nueva York!, ríe).
Berklee NYC fue además un punto de inflexión profesional. Pasé de estudiante a graduate fellow, y luego a miembro del profesorado. El programa no solo me dio herramientas técnicas, sino también una comunidad creativa. The Bloom Project fue parcialmente financiado por una beca de grabación de la facultad, y varios de mis colaboradores los conocí allí. Por ejemplo, Lionzed y Nathan Han, que participaron en el disco, fueron mis estudiantes; y Rachel Alina, mi ingeniera de masterización, primero fue mi profesora y luego mi colega. Ella también fue quien me invitó a enseñar en New Music Engineering, donde conocí a muchos ingenieros de mezcla de todo el mundo.
Así que, de muchas formas, mi recorrido —del violín clásico a la composición, la producción y el DJing— se siente como un arco continuo. Cada etapa abrió una nueva puerta, y cada persona que conocí en el camino forma parte del sonido que hago hoy.
¿Qué aprendiste de tu
experiencia en el concurso The Force y de tu debut Cyan Black?
El concurso The Force fue mi puerta de entrada al mundo profesional de la música. Fue mi primer contacto real con el funcionamiento de la industria: el trabajo en equipo, la colaboración, la disciplina creativa. Después firmé con mi primer sello y comencé a trabajar en mi álbum debut, Cyan Black, que se convirtió en una experiencia de aprendizaje integral.
Antes de ese proyecto ya había escrito muchas canciones, pero aún no dominaba la producción digital. No conocía bien un DAW. Trabajar junto al productor Tian Liang en Cyan Black me permitió entender cómo se construye una canción desde el sonido. Aprendí muchísimo observándolo: cómo organizaba las partes, moldeaba texturas y tomaba pequeñas decisiones que cambiaban completamente la emoción de un tema. Gracias al sello, también participé en writing camps con Sony ATV, UMG y Warner Chappell, lo cual fue toda una novedad. De pronto estaba en una sala con desconocidos, y después de diez minutos ya estábamos componiendo juntos. Fue mi introducción al mundo colaborativo del pop.
Durante esa etapa descubrí que no solo pensaba como compositora, sino que escuchaba las canciones en términos de diseño sonoro y atmósfera. Me encontraba constantemente describiendo a mi productor el tono, el ritmo o la emoción que quería escuchar. A veces incluso discutíamos por las elecciones de sonido (ríe). Al final de Cyan Black, él me dijo algo que nunca olvidé:
“Tienes una productora dentro de ti. Deberías producir tu próximo álbum.”
Y eso fue exactamente lo que hice. The Bloom Project es mi primer disco de larga duración autoproducido, después de varios sencillos y un EP donde perfeccioné mis habilidades. Es el resultado de todo lo aprendido en aquel camino: las mentorías, las horas de estudio, los writing camps y la creciente convicción de que podía llevar mi visión sonora a la realidad. Y cuando digo “autoproducido” no me refiero a hacerlo todo sola, sino a haber elegido intencionalmente al equipo correcto para construir una visión colectiva. Después de todo, la música siempre es un trabajo en equipo.