With over
two hundred published compositions, a career defined by experimentation, and
collaborations with major figures such as John Medeski, Billy Martin, Robert
Glasper, and Stone Gossard, guitarist and composer Ari Joshua has established
himself as a unique voice in the contemporary music scene. Born in Cape Town
and raised in Seattle, Joshua weaves diverse roots into his music, where jazz,
rock, funk, and psychedelia coexist.
His latest
release, Scared of Eric (Music Factory Records, 2025), is a tribute to
saxophone legend Skerik, who features on the recording alongside two
heavyweights of the Pacific Northwest scene: Delvon Lamarr on organ and Grant
Schroff on drums.
In this
exclusive interview, Ari Joshua talks about the genesis of the song, his
connection with Skerik, the importance of improvisation, the role of his label
Music Factory Records, his work at the Music Factory School, and much more.
Don’t miss it!
How did
the idea of composing Scared of Eric as a tribute to Skerik come about?
I write songs for people all the time. I wrote my family friends all songs, family members, it’s just something I do. With a session on the horizon I often write new material whether I use it or not. With Delvon locked in on the recording and Skerik available I happened to have already written this one for him, but it was never tracked on an album. I imagined him playing the melody, I think I wrote it in around 2005 when I was playing with John Wicks and there was a chance Skerik would come by and play with us at a club called TOST but that never happened and the song was just on the shelf for a while.
What was
it like working with Delvon Lamarr and Grant Schroff on this track?
Both Delvon and Grant where a dream to work with. Grant is a killer drummer and he turned out to be a perfect fit for the album. He plays always as if he is being recorded. Some drummers want to go wild and express themselves at every turn but Grant knows how to serve the song. Delvon Lamarr is really a part of my DNA, we grew up playing together off and on. I secretly wanted to be in his touring band, but you know everything happens for a reason, if I was touring with Delvon Lamarr I may have never made this incredible album. We used to play various weekly gigs some times for months and months at a time.
Skerik
is a legendary musician, and you’ve said it was a “dream come true” to record a
piece written for him with him on it. How did you experience that moment in the
studio?
Skerik is like someone I look up to, he is someone I just want to play with as much as possible. I always learn by working with people like that. He was really easy to work with, he was really all about business, as soon as we were in the studio he was extremely present and ready to create. He offered to do a few overdubs here and there during the session and we were able to take advantage of a few places where he doubled baritone or added a few sounds. I think this may be of those tracks. In the words of Miles Davis - he’s a motherfucker and he don’t take no shit off no one.
How
important was improvisation in the recording of this track?
Everyone takes a solo on this track. All the solos are fantastic.
How
would you describe the musical chemistry between you, Delvon, Grant, and
Skerik?
I would say we should be on tour, making more albums, playing at least a dozen times a year together, the chemistry is for real.
Coming
from South Africa and growing up in Seattle, how did that cultural diversity
shape your music?
Yes, more than I can say in words. I feel like Africa is in my DNA it’s a part of who I am. When I travel to Africa I feel at home in a way. The people of Cape Town, especially the locals, have a kindness and a sweetness that is not the same in the states. It would take a whole book to explain the gravity of the whole thing.
Do you
remember the first concert where you felt you wanted to dedicate your life to
music?
The first concert I saw I knew I wanted to be a musician may be Stevie Ray Vaughn where my dad took me as a kid. He asked me like which artists did I like the best, he asked me a lot of questions about the music and after I discovered the albums on the shield he left when my folks split up. Those albums changed my life.
You’ve
published more than 200 songs. How do you keep your inspiration fresh?
Every moment is fresh the universe keeps moving and new flowers are blooming all over the world. Every night the stars are out I see songs, I see songs in the people I meet, I hear melodies in the darkness and in the light. There is always inspiration. Sometimes I take a break from music and want to just focus on family or quiet time. It all adds up when the music comes out.
What
have you learned from collaborating with legends like John Medeski, Billy
Martin, or Robert Glasper?
Medeski and Martin taught me that there is a sacred ness to the moment, I mean I already knew there was but they drew me in, they created a sacred canvas where every moment could go anywhere and the places it went that we didn’t plan equally as fucking amazing as the notes we did plan. They were masters of both sides of the coin, infinite coin flips and leading to infinite options. Glasper is in a league of his own. On one hand he is like my homie from when we when we were 19 years old on another hand, he is greatest of all time at what he does and he is bridging the gaps between generations. He does it all with a sense of humility and humour and grace. All three geniuses on the highest order. Each in their own way.
Do you
think experimental music today has more space than before, or does it remain a
niche?
I can’t think in those terms. Time is infinite, time has no past or future. Having said that things are speeding up so fast I am so grateful to have been here before the AI thing started and to have seen examples of all the different types of niches in music before the computer really arrived and settled in.
What
role does your label, Music Factory Records, play in your career and in the
local scene?
The label MFR is about me wanting to unlock pathways and avenues for my art. As I unlock those pathways and directions I hope to share them with others. It was a joy to put out Peter Daniel’s album this year and we have put out a handful of other releases in the background. The systems we have are powerful, we have direct links to a lot of the curators, and a whole PR department locked and loaded for releases. I would put out singles and albums for anyone that can afford it. In some cases, we may be able to offer some deals for music we really believe in. It’s liberated me in that I was often waiting for a label to come along, I was on a few albums for a few labels and I learned that in this day in age one needs to put the time in to get the results they want. I have realized a lot of goals and dreams via the label, and I really am just starting to explore the options.
You also
run The Music Factory School. How does teaching influence your own creativity?
The more you give, the more you get, right? Starting the school was my way of giving back. For years I poured myself into one-on-one lessons, and over time it evolved into something bigger: a platform where teachers can teach, students can learn, and creativity can thrive in a sustainable way.
We pay our teachers some of the best rates in town, and we’ve built a supportive community that truly values what we bring. There’s little in life that gives me more joy than knowing people are learning lessons—musical and life lessons—that will stay with them forever.
For me, creativity begins as a spark—an idea I can share with another person—and grows into a platform, a location, a model that others can step into. Teaching has shown me the importance of building with people you love and can problem-solve with. People are at the core of every successful model.
If I had more funding, I’d franchise and grow even further, because I feel most alive when I’m building and expanding. One thing I’ve learned is that 99% of the time my gut instincts are pointing me toward truths worth exploring. The school has reinforced that for me—fuelling my drive to keep creating, building, and growing alongside others.
What is
the musical dream you still have yet to fulfil?
I want to build bands and see my school grow. My dream is more locations, more students, and an online marketplace for music education that can really take off. At the same time, I’d love to start a band where I can share my own music, write with others, and get out on tour. Whether it’s with a full light show or just playing jazz with incredible musicians, the goal is to create meaningful experiences through music.
Ultimately, I dream of having a strong team around me—people who can help put it all together—so I can focus on what matters most: family, music, and love. Those three things are everything to me.
Escuchar estrellas, ver canciones: Una entrevista exclusiva
con Ari Joshua
Con más de doscientas composiciones publicadas, una carrera
marcada por la experimentación y colaboraciones con figuras de peso como John
Medeski, Billy Martin, Robert Glasper o Stone Gossard, el guitarrista y
compositor Ari Joshua se ha consolidado como una voz única dentro de la escena
contemporánea. Nacido en Ciudad del Cabo y criado en Seattle, Joshua combina en
su música raíces diversas donde conviven el jazz, el rock, el funk y la
psicodelia.
Su más reciente lanzamiento, Scared of Eric (Music
Factory Records, 2025), es un homenaje a la leyenda del saxofón Skerik, quien
participa en la grabación junto a dos pesos pesados de la escena del noroeste
de Estados Unidos: Delvon Lamarr en el órgano y Grant Schroff en la batería.
En esta entrevista exclusiva, Ari Joshua nos habla sobre la
génesis de la canción, su vínculo con Skerik, la importancia de la
improvisación, el rol de su sello Music Factory Records, su trabajo en la Music
Factory School, entre otras cosas muy interesantes. ¡No se la pierdan!
¿Cómo nació la idea de componer Scared of Eric en
homenaje a Skerik?
Escribo canciones para la gente todo el tiempo. He escrito canciones para amigos de la familia, para miembros de mi familia, es simplemente algo que hago. Cuando se acerca una sesión, suelo escribir material nuevo, lo use o no. Con Delvon confirmado para la grabación y Skerik disponible, ya tenía escrita esta canción para él, pero nunca se había grabado en un álbum. Lo imaginaba tocando la melodía. Creo que la escribí alrededor de 2005, cuando estaba tocando con John Wicks y había una posibilidad de que Skerik viniera a tocar con nosotros en un club llamado TOST, pero eso nunca ocurrió y la canción quedó guardada en un estante durante un tiempo.
¿Cómo fue trabajar junto a Delvon Lamarr y Grant Schroff
en este track?
Trabajar con Delvon y Grant fue un sueño. Grant es un baterista increíble y resultó ser perfecto para el álbum. Siempre toca como si lo estuvieran grabando. Algunos bateristas quieren desatarse y expresarse en cada momento, pero Grant sabe cómo servir a la canción. Delvon Lamarr realmente es parte de mi ADN, crecimos tocando juntos intermitentemente. En secreto quería estar en su banda de gira, pero ya sabes, todo pasa por una razón: si hubiera estado de gira con Delvon, tal vez nunca habría hecho este disco increíble. Solíamos tocar en distintos shows semanales, a veces durante meses y meses seguidos.
Skerik es un músico legendario, y dijiste que fue un
“sueño cumplido” grabar un tema escrito para él con él mismo tocando en él.
¿Cómo viviste ese momento en el estudio?
Skerik es alguien a quien admiro mucho, alguien con quien simplemente quiero tocar todo lo posible. Siempre aprendo trabajando con personas así. Fue muy fácil trabajar con él, estaba totalmente concentrado en la música; apenas entramos al estudio estuvo completamente presente y listo para crear. Durante la sesión se ofreció a hacer algunos overdubs aquí y allá, y aprovechamos para que doblara algunas líneas de barítono o añadiera ciertos sonidos. Creo que este puede ser uno de esos temas. En palabras de Miles Davis: “he’s a motherfucker and he don’t take no shit off no one”.
¿Qué tan importante fue la improvisación en la grabación
de este tema?
Todos hacen un solo en este track. Todos los solos son fantásticos.
¿Cómo describirías la química musical entre vos, Delvon,
Grant y Skerik?
Diría que deberíamos estar de gira, grabando más discos, tocando al menos una docena de veces al año juntos. La química es real.
Viniendo de Sudáfrica y creciendo en Seattle, ¿cómo
influyó esa diversidad cultural en tu música?
Sí, más de lo que puedo expresar con palabras. Siento que África está en mi ADN, es parte de lo que soy. Cuando viajo a África me siento en casa de una manera muy especial. La gente de Ciudad del Cabo, especialmente los locales, tiene una amabilidad y dulzura que no es igual en Estados Unidos. Explicar la magnitud de todo eso requeriría un libro entero.
¿Recordás el primer concierto donde sentiste que querías
dedicar tu vida a la música?
En el primer concierto que vi ya supe que quería ser músico. Puede haber sido Stevie Ray Vaughan, al que mi padre me llevó cuando era niño. Me preguntó qué artistas me gustaban más, me hacía muchas preguntas sobre la música y después descubrí los discos que había dejado cuando mis padres se separaron. Esos discos me cambiaron la vida.
Tenés más de 200 canciones publicadas. ¿Cómo mantenés
fresca tu inspiración?
Cada momento es nuevo, el universo sigue en movimiento y nuevas flores florecen en todo el mundo. Cada noche que veo las estrellas aparecen canciones. Veo canciones en la gente que conozco, escucho melodías en la oscuridad y en la luz. Siempre hay inspiración. A veces me tomo un descanso de la música y quiero concentrarme en la familia o en el silencio. Todo eso se acumula y luego, cuando la música sale, sale con fuerza.
¿Qué aprendiste de colaborar con leyendas como John
Medeski, Billy Martin o Robert Glasper?
Medeski y Martin me enseñaron que hay una sacralidad en el momento. Ya lo sabía, pero ellos me atrajeron más profundamente, crearon un lienzo sagrado donde cada instante podía ir a cualquier parte, y los lugares a donde iba sin planearlo eran igual de increíbles que las notas que sí planeábamos. Eran maestros de ambos lados de la moneda, infinitos lanzamientos de moneda que llevaban a infinitas posibilidades. Glasper está en una liga propia. Por un lado, es como mi amigo de cuando teníamos 19 años, y por otro, es el mejor de todos los tiempos en lo que hace y está tendiendo puentes entre generaciones. Lo hace todo con humildad, humor y gracia. Los tres son genios del más alto nivel, cada uno a su manera.
¿Creés que hoy la música experimental tiene más espacio
que antes o sigue siendo un nicho?
No puedo pensar en esos términos. El tiempo es infinito, no tiene pasado ni futuro. Dicho eso, las cosas se están acelerando tanto que estoy agradecido de haber estado aquí antes de que comenzara todo este tema de la IA y de haber visto ejemplos de todos los diferentes tipos de nichos musicales antes de que la computadora llegara y se estableciera.
¿Qué rol cumple tu sello, Music Factory Records, en tu
carrera y en la escena local?
El sello MFR tiene que ver con mi deseo de abrir caminos y avenidas para mi arte. A medida que abro esos caminos y direcciones, espero compartirlos con otros. Fue una alegría lanzar el álbum de Peter Daniel este año, y también hemos editado otros lanzamientos en segundo plano. Los sistemas que tenemos son potentes, tenemos vínculos directos con muchos curadores y un departamento completo de PR preparado para lanzamientos. Publicaría sencillos y álbumes para cualquiera que pueda costearlo. En algunos casos, podemos ofrecer acuerdos especiales para música en la que realmente creemos. Para mí fue liberador, porque muchas veces estaba esperando que apareciera un sello. Participé en algunos discos de distintos sellos y aprendí que hoy en día uno mismo tiene que invertir el tiempo para obtener los resultados que desea. He logrado muchas metas y sueños gracias al sello, y apenas estoy comenzando a explorar todas las posibilidades.
También
dirigís The Music Factory School. ¿Cómo influye la enseñanza en tu
propia creación?
Cuanto más das, más recibís, ¿no? Fundar la escuela fue mi manera de devolver algo. Durante años me dediqué a dar clases particulares, y con el tiempo eso evolucionó en algo más grande: una plataforma donde los profesores pueden enseñar, los estudiantes aprender y la creatividad florecer de forma sostenible.
Pagamos a nuestros profesores algunas de las mejores tarifas de la ciudad y hemos construido una comunidad solidaria que realmente valora lo que aportamos. Hay pocas cosas que me den más alegría que saber que las personas están aprendiendo lecciones —musicales y de vida— que les quedarán para siempre.
Para mí, la creatividad comienza como una chispa, una idea que puedo compartir con otra persona, y crece hasta convertirse en una plataforma, un espacio, un modelo al que otros pueden integrarse. Enseñar me ha mostrado la importancia de construir con personas a las que querés y con quienes podés resolver problemas. Las personas están en el núcleo de cada modelo exitoso.
Si tuviera más financiamiento, abriría franquicias y crecería aún más, porque me siento más vivo cuando estoy construyendo y expandiéndome. Una cosa que aprendí es que el 99% de las veces mis instintos me guían hacia verdades que vale la pena explorar. La escuela me lo ha reforzado, alimentando mis ganas de seguir creando, construyendo y creciendo junto a otros.
¿Cuál es el sueño musical que todavía te falta cumplir?
Quiero formar bandas y ver crecer mi escuela. Mi sueño es tener más sedes, más estudiantes y un mercado online de educación musical que realmente despegue. Al mismo tiempo, me encantaría formar una banda donde pueda compartir mi propia música, escribir con otros y salir de gira. Ya sea con un show de luces completo o simplemente tocando jazz con músicos increíbles, el objetivo es crear experiencias significativas a través de la música.
En última instancia, sueño con tener un equipo fuerte a mi alrededor, personas que puedan ayudar a unir todo, para así poder enfocarme en lo que más importa: la familia, la música y el amor. Esas tres cosas lo son todo para mí.