We spoke with Satellite Train, who told us about their musical vision — a journey through sonic universes. From their shared base between Melbourne and Los Angeles, the band — made up of musicians from legendary projects such as AC/DC, Icehouse, Paul Kelly, and My Chemical Romance — challenges the traditional concept of an album with their innovative project, The Melbourne Sessions Multiverse Experience.
Their new
single, “James Dean”, not only pays tribute to one of cinema’s most iconic
figures but also embodies the essence of the concept: a single song that exists
in parallel versions, with different mixes depending on the platform where it’s
played. With the approval of the James Dean family and a production that takes
full advantage of Dolby Atmos technology, Satellite Train fuses the rebellious
spirit of classic rock with a futuristic exploration of sound.
We spoke
with the band about the origins of this ambitious project and the technical
challenges behind creating the musical multiverse.
How did
the idea of dedicating a song to James Dean come about, and what does his
figure
represent to you?
There’s always been a legend around James Dean, a kind of mystery that made him stand out. He had this uniqueness, charisma, and confidence that people still admire. Those are qualities many strive for, and the band relates to that idea of wanting to be unique. There’s also tragedy mixed into his story, which makes it even more interesting. Often, success and tragedy seem to come hand in hand, and people who achieve that level of fame probably understand that risk. o me, James Dean represents both the beauty and the cost of standing out. What makes him fascinating is that his kind of uniqueness doesn’t happen as often in movies as it does in music. We aim for that same sense of individuality. Getting permission from the James Dean family to release the track added another layer to it all. It reinforced that feeling of awe and almost untouchability that surrounds him. It was also the first song written for the album, and it really set the tone for everything that followed The concept of a “musical multiverse” is truly innovative.
How did
the idea of offering different versions depending on the platform come about?
It actually came from other mediums, like film. Spider-Man: No Way Home was a big influence because it showed how one idea could exist in multiple worlds at once, each version slightly different but sharing the same core. We thought, why can’t music do that? That’s how the Multiverse Experience was born. With Dolby technology, we were able to make that concept real. If you listen to the same song on Spotify and Apple Music using Dolby-capable headphones like AirPods, you’ll actually hear two different versions of Satellite Train. You can even switch between Dolby and non-Dolby playback and experience new variations. It was incredibly difficult to pull off. The engineers found it confusing at first, and explaining what we were trying to achieve wasn’t easy. It took a lot of trial and error, but now that we’ve figured it out, we’ll continue doing it for our next albums.
What
technical and creative challenges did producing different mixes for Apple Music
and
Spotify involve?
There were plenty. None of the musicians from one “universe” heard what was happening in the other, so it really was like building parallel worlds. The band members weren’t aware it was going on. The initial engineers struggled to bring it to life. Eventually, we brought in Robert Adam Stevenson, who was open-minded about the idea even though he wasn’t sure it could be done. He pushed the Dolby technology to its limits and made it work. He mixed the record in this incredible house and studio owned by a well-known actor, and the atmosphere was surreal, like being on a movie set. I think the coincidence of that atmosphere is what got it over the edge. It was the perfect environment for something as abstract as the Multiverse concept. There were moments when we were close to giving up, but we managed to pull through and make it happen.
Satellite Train brings together musicians from legendary projects like AC/DC, Icehouse, and Paul Kelly. How does having members split between Melbourne and Los Angeles influence your creative dynamic?
I think it gives the music a really unique quality. The musicians in Melbourne and the musicians in Los Angeles have very different musical paths and influences, and that comes through in how they play. When those sounds are mixed together, it creates something special that still feels consistent. There are moments that sound very American and others that sound very Australian, and that blend is part of what makes Satellite Train distinct. We also like to mix up who plays on each song so there’s variation from track to track. Even with those differences, we’ve developed a signature sound that ties it all together. We’ve only released one album so far, but the second one is on the way and two more are already in progress. Each album has its own character, but you can still tell it’s us. The first album has a very Australian sound, the second more of an American flavor, and the third doesn’t really fit either. It leads to unexpected results, which keeps things interesting.
Many of
you come from the live music world, yet this project focuses on the studio. Do
you miss
the stage, or is this a new form of performance for you?
The focus on studio work wasn’t really by choice. Most of the musicians are out on the road for huge chunks of the year, constantly touring or recording with other projects. Chris has been out with AC/DC, Jamie with My Chemical Romance, Randy, Shane, and John seem to be on the road all year long, and Michael has been performing in the musical Jesus Christ Superstar over the past year. Playing live as Satellite Train would be amazing, and I think it would sound incredible. If we did it, the focus would probably be on improvisation. We’d want the musicians to play freely and not stick too closely to the recorded versions, which would make it fun for both the band and the audience. There are just too many challenges to getting out live. Everyone’s schedules are packed, and since we’re an independent act without management, a label, or any real promotion, it would take some real success to make live shows possible. But it would be pretty incredible if it could happen.
The Melbourne Sessions Multiverse Experience (ffm.to)
El multiverso musical existe: Una entrevista con
Satellite Train
Estuvimos charlando con Satellite Train y nos contó sobre su
propuesta musical: un viaje entre universos sonoros. Desde su base compartida
entre Melbourne y Los Ángeles, la banda formada por músicos de proyectos
legendarios como AC/DC, Icehouse, Paul Kelly o My Chemical Romance, desafía la
noción tradicional del álbum con su innovador proyecto The Melbourne Sessions
Multiverse Experience.
Su nuevo single, “James Dean”, no solo rinde homenaje a una
de las figuras más icónicas del cine, sino que también encarna la esencia del
concepto: una misma canción que existe en versiones paralelas, con mezclas
diferentes según la plataforma en la que se escuche. Con la aprobación de la
familia de James Dean y una producción que aprovecha al máximo las
posibilidades del Dolby Atmos, Satellite Train fusiona el espíritu rebelde del
rock clásico con una exploración futurista del sonido.
Conversamos con la banda sobre el origen de este ambicioso proyecto, los desafíos técnicos detrás de la creación del multiverso musical.
¿Cómo nació la idea de dedicar una canción a James Dean y
qué representa para ustedes su figura?
Siempre ha existido una leyenda en torno a James Dean, una especie de misterio que lo hacía destacar. Tenía una singularidad, un carisma y una confianza que la gente sigue admirando. Esas son cualidades que muchos aspiran a tener, y la banda se identifica con esa idea de querer ser únicos. También hay tragedia mezclada en su historia, lo cual la hace aún más interesante. A menudo, el éxito y la tragedia parecen ir de la mano, y las personas que alcanzan ese nivel de fama probablemente comprenden ese riesgo.
Para mí, James Dean representa tanto la belleza como el costo de sobresalir. Lo que lo hace fascinante es que su tipo de singularidad no ocurre con tanta frecuencia en el cine como en la música. Nosotros aspiramos a ese mismo sentido de individualidad. Obtener el permiso de la familia de James Dean para lanzar la canción añadió otra capa a todo esto. Reforzó esa sensación de asombro y de casi intocable que lo rodea. Además, fue la primera canción escrita para el álbum, y realmente marcó el tono de todo lo que vino después.
El concepto de un “multiverso musical” es realmente
innovador. ¿Cómo surgió la idea de ofrecer distintas versiones según la
plataforma?
En realidad, vino de otros medios, como el cine. Spider-Man: No Way Home fue una gran influencia porque mostró cómo una misma idea podía existir en múltiples mundos al mismo tiempo, cada versión ligeramente diferente, pero compartiendo el mismo núcleo. Pensamos: ¿por qué la música no puede hacer eso? Así nació The Multiverse Experience. Con la tecnología Dolby pudimos hacer realidad ese concepto. Si escuchas la misma canción en Spotify y en Apple Music con auriculares compatibles con Dolby, como los AirPods, en realidad escucharás dos versiones diferentes de Satellite Train. Incluso puedes cambiar entre la reproducción Dolby y la no Dolby y experimentar nuevas variaciones. Fue increíblemente difícil lograrlo. Al principio, los ingenieros estaban confundidos, y no fue fácil explicar lo que intentábamos conseguir. Requirió muchas pruebas y errores, pero ahora que lo logramos, seguiremos haciéndolo en los próximos álbumes.
¿Qué desafíos técnicos y creativos implicó producir
diferentes mezclas para Apple Music y Spotify?
Hubo muchos. Ninguno de los músicos de un “universo” escuchó lo que ocurría en el otro, así que realmente fue como construir mundos paralelos. Los miembros de la banda no eran conscientes de lo que estaba pasando. Los primeros ingenieros tuvieron dificultades para darle vida. Finalmente, incorporamos a Robert Adam Stevenson, quien fue muy receptivo con la idea, aunque no estaba seguro de que pudiera lograrse. Llevó la tecnología Dolby al límite y logró que funcionara. Mezcló el disco en una casa y estudio increíbles, propiedad de un actor muy conocido, y la atmósfera era surrealista, como estar en un set de filmación. Creo que la coincidencia de esa atmósfera fue lo que terminó de impulsar el proyecto. Fue el entorno perfecto para algo tan abstracto como el concepto del multiverso. Hubo momentos en los que estuvimos a punto de rendirnos, pero logramos salir adelante y hacerlo realidad.
Satellite Train reúne músicos de proyectos legendarios
como AC/DC, Icehouse y Paul Kelly. ¿Cómo influye el hecho de tener miembros
repartidos entre Melbourne y Los Ángeles en la dinámica creativa?
Creo que eso le da a la música una cualidad realmente única. Los músicos de Melbourne y los de Los Ángeles tienen trayectorias e influencias muy diferentes, y eso se nota en cómo tocan. Cuando esos sonidos se combinan, se crea algo especial que aun así suena coherente. Hay momentos que suenan muy estadounidenses y otros que suenan muy australianos, y esa mezcla es parte de lo que hace que Satellite Train sea distinto. También nos gusta cambiar quién toca en cada canción, para que haya variación de un tema a otro. Aun con esas diferencias, hemos desarrollado un sonido característico que lo une todo. Hasta ahora solo hemos lanzado un álbum, pero el segundo ya está en camino y hay dos más en progreso. Cada disco tiene su propio carácter, pero aún se nota que somos nosotros.
El primer álbum tiene un sonido muy australiano, el segundo más estadounidense, y el tercero no encaja realmente en ninguno de los dos. Eso genera resultados inesperados, lo que mantiene todo interesante.
Muchos de ustedes vienen del mundo del directo, pero este
proyecto se centra en el estudio. ¿Extrañan el escenario o esto es una nueva
forma de performance para ustedes?
El enfoque en el trabajo de estudio no fue realmente una elección. La mayoría de los músicos pasan grandes períodos del año de gira o grabando con otros proyectos. Chris ha estado de gira con AC/DC, Jamie con My Chemical Romance, Randy, Shane y John parecen estar en la carretera todo el año, y Michael ha estado actuando en el musical Jesus Christ Superstar durante el último año. Tocar en vivo como Satellite Train sería increíble, y creo que sonaría fantástico. Si lo hiciéramos, probablemente el foco estaría en la improvisación. Querríamos que los músicos tocaran con libertad y no se apegaran demasiado a las versiones grabadas, lo que lo haría divertido tanto para la banda como para el público. Simplemente hay demasiados desafíos para hacerlo posible. Las agendas de todos están llenas, y como somos un proyecto independiente, sin management, sello o promoción real, necesitaríamos un éxito considerable para que los shows en vivo fueran posibles. Pero sería realmente increíble si pudiera suceder.