With his
new album 21grammi, Giuseppe Cucé opens a decisive chapter in his artistic
journey. The Italian singer-songwriter, born in Catania, transforms a personal
period marked by collapse, loss, and reinvention into a profound album crafted
in low light, blending Italian songwriting tradition with modern indie-pop
sensibilities.
Supported
by producer Riccardo Samperi and an exceptional team of musicians, Cucé turns
each song into a musical space for reconstruction. From the existential core of
“Ventuno” to the delicate suspension of “Una notte infinita”, the record draws
an arc of rebirth.
Just days
before the 21Uniradio Tour 2025, Cucé prepares to bring the album to university
radio stations across Italy, seeking direct dialogue with young audiences in an
intimate, acoustic format. Don’t miss this exclusive interview in our magazine.
21grammi
is built around the idea of the weight and experience of life. The album speaks
about loss, reconstruction, and identity. Was there any recent event that
became the starting point for this project?
The starting point wasn’t a single event, but a season of life where many things collapsed at the same time: relationships, certainties, even my idea of myself as an artist. I felt as if someone had turned the lights off and left me alone with the “weight” of everything I had lived so far. That’s where the image of the 21 grams returned – not as a mystical number, but as a metaphor for what really keeps us alive when everything else falls apart: desire, memory, faith, fragility. The album was my way to measure that invisible weight and understand how much of me was still capable of loving, believing and starting again.
Which
song was the most difficult to finish, and why?
“Ventuno” was definitely the most difficult to finish. It’s the song that holds the core of the concept, and I felt a sort of responsibility towards it. Every word had to be honest, almost brutal, but at the same time poetic and open to interpretation. I rewrote verses many times because I didn’t want it to sound rhetorical or self-indulgent. When I finally stopped changing things, it was because the song was wounding me in the right way.
Was
there any song that emerged completely spontaneously or unexpectedly?
“Una notte infinita” came almost in one breath. I was at the piano very late at night, with that strange feeling of being suspended between an ending and a beginning. The melody and the words “È soltanto una semplice notte infinita” arrived together, like a confession that had been waiting for the right moment. We then worked on the arrangement, of course, but the emotional architecture of the song is exactly as it was in that first, fragile moment.
You
worked with Riccardo Samperi, a key producer in shaping your sound. What was
the experience like working with him?
Working with Riccardo is like being in a laboratory and a temple at the same time. He’s extremely precise and technically aware, but he never forgets that songs are, first of all, living organisms. At TRP Studios we dissected each track: structure, harmonies, dynamics, sound textures. At the same time, he protected my vulnerability as a singer and songwriter, always asking, “What are you really trying to say here?” He helped me find a sound that is both cinematic and intimate, recognizably mine but open to an international language.
The
album features a wide team of musicians. What were you looking for in each of
them?
I wasn’t just looking for “skill”, I was looking for people who could inhabit the songs emotionally. Every musician brought a specific color: the warmth of the Hammond, the elegance of the piano, the physicality of the drums, the orchestral arrangements that almost “breathe” with the voice. I wanted musicians who could play less when needed, who understood that silence and space are also part of the arrangement. In the end, it felt like a small orchestra of human stories, not just instruments.
Was
there any collaboration that completely transformed a song compared to your
original idea?
Yes, “È tutto così vero” is a good example. The original version was more minimal, almost like an intimate confession in a small room. Working together, we opened it up, giving it a more Latin, physical pulse, something that could live both in an Italian theatre and in a street of Buenos Aires or Havana. Later, with “El mundo es verdadero” and the collaboration with Pandi, the song travelled even further: it became a bridge between languages and cultures I had only imagined when I wrote it.
The
visual identity of the project is also very striking. What was it like working
with Luca Guarneri and Gianluca Scalia?
With Luca Guarneri, photography became almost a psychological session. He has this ability to capture the exact moment when a mask falls and something true appears in the eyes, even if just for a second. Gianluca Scalia, with the videos, translated that vulnerability into movement and narrative. We worked with symbols: streets at night, intimate spaces, bodies in tension, small rituals. The idea was to create a visual universe where the viewer could feel inside the same “21grammi” dimension, not just watching a music video but entering a confession.
Is there
a song that represents your personal rebirth the most?
“Di estate non si muore” represents a strong moment of rebirth for me. There is a bittersweet awareness in that song: the idea that we continue to survive even when we are certain we can’t. It carries both nostalgia and a stubborn light, like the last sun of August that doesn’t want to set. When I sing it live, I feel that I’m talking to the versions of myself that thought everything was over – and reassuring them that somehow, we are still here.
Is there
a moment from the recording process at TRP Studios that you remember with
particular intensity?
I remember very clearly a night working on the strings. The TRP Studio Orchestra was recording, and at some point, during a particularly emotional passage, I stopped looking at the score and just listened. It felt like the album was no longer “mine” – it had become a shared, living creature carried by many hearts and hands. In that moment I understood that the weight I was trying to measure with 21grammi wasn’t only mine, but something profoundly collective.
What
non-musical influences appear in 21grammi? (cinema, philosophy, literature)
Cinema is a huge influence: the film “21 Grams” of course, but also directors who work with fragmented time and emotional realism, like Iñárritu, Almodóvar, Sorrentino. Philosophically, I’m very attracted to the idea of constant becoming – that Heraclitean feeling that everything flows and nothing stays fixed. In literature, I carry with me the introspection of certain Italian and Latin American writers who mix the everyday with the metaphysical. All of this enters the songs as images, atmospheres, questions rather than clear answers.
What did
you discover about yourself while making this album?
I discovered that my fragility is not an obstacle but a language. For a long time, I tried to hide certain parts of myself: my fears, my doubts, my sense of inadequacy. In 21grammi, I decided to let them speak, to place them at the center instead of the margins. I also discovered that I’m much more “international” than I thought – not in a commercial sense, but in the way my emotions can resonate with people who don’t share my language but recognize the same wounds and hopes.
The
21Uniradio Tour 2025 is coming up. How are the preparations for this mini-tour
going?
The preparations are intense and very emotional. The idea of bringing 21grammi into Italian university radios is important to me, because universities are places where identities are still being formed, questioned, reinvented – exactly what the album talks about. We’re working on intimate live sets, storytelling moments, and conversations with students and radio hosts, not just performances. I see it as a travelling “diary of souls”: a way to collect new stories, faces and questions that will continue to shape my music even after the tour ends.
Entre la caída y el renacimiento: Una entrevista exclusiva
con Giuseppe Cucé
Con su nuevo álbum, 21grammi, Giuseppe Cucé abre una
etapa decisiva en su recorrido artístico. El cantautor italiano, nacido en
Catania, transforma una etapa personal marcada por colapsos, pérdidas y
replanteos en un álbum profundo, construido entre luces bajas, que integra la tradición
italiana con la sensibilidad indie-pop.
Acompañado por el productor Riccardo Samperi y un equipo
excepcional de músicos, Cucé convierte cada canción en un espacio musical de reconstrucción.
Desde el existencialismo de “Ventuno” hasta la delicada suspensión de “Una
notte infinita”, el disco traza un arco de renacimiento.
A días del 21Uniradio Tour 2025, Cucé se prepara para llevar
este disco a diversas radios universitarias de Italia, buscando un diálogo
directo con audiencias jóvenes, en un formato íntimo y acústico. No se pierdan
esta entrevista exclusiva en nuestra revista.
21grammi se construye alrededor de la idea del peso y la
experiencia de la vida. El álbum habla de pérdida, reconstrucción e identidad.
¿Hubo algún evento reciente que funcionara como punto de partida para este
proyecto?
El punto de partida no fue un solo evento, sino una etapa de mi vida en la que muchas cosas colapsaron al mismo tiempo: relaciones, certezas, incluso mi idea de mí mismo como artista. Sentí como si alguien hubiera apagado las luces y me hubiera dejado solo con el “peso” de todo lo que había vivido hasta ese momento. Ahí volvió la imagen de los 21 gramos —no como un número místico, sino como una metáfora de lo que realmente nos mantiene vivos cuando todo lo demás se derrumba: el deseo, la memoria, la fe, la fragilidad. El álbum fue mi manera de medir ese peso invisible y entender cuánto de mí todavía era capaz de amar, creer y comenzar de nuevo.
¿Qué canción fue la más difícil de terminar y por qué?
“Ventuno” fue definitivamente la más difícil de terminar. Es la canción que contiene el núcleo del concepto, y sentía una especie de responsabilidad hacia ella. Cada palabra tenía que ser honesta, casi brutal, pero a la vez poética y abierta a la interpretación. Reescribí versos muchas veces porque no quería que sonara retórica ni autocomplaciente. Cuando finalmente dejé de cambiar cosas, fue porque la canción me hería de la manera correcta.
¿Hubo alguna canción que surgiera de manera completamente
espontánea o inesperada?
“Una notte infinita” llegó casi en un solo aliento. Estaba al piano muy tarde por la noche, con esa sensación extraña de estar suspendido entre un final y un comienzo. La melodía y las palabras “È soltanto una semplice notte infinita” aparecieron juntas, como una confesión que había estado esperando el momento adecuado. Luego trabajamos el arreglo, por supuesto, pero la arquitectura emocional de la canción es exactamente la misma que en ese primer, frágil instante.
Trabajaste con Riccardo Samperi, un productor clave en la
formación de tu sonido. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar con él?
Trabajar con Riccardo es como estar en un laboratorio y en un templo al mismo tiempo. Es extremadamente preciso y técnicamente consciente, pero nunca olvida que las canciones son, ante todo, organismos vivos. En TRP Studios diseccionamos cada tema: estructura, armonías, dinámicas, texturas sonoras. Al mismo tiempo, protegió mi vulnerabilidad como cantante y compositor, siempre preguntando: “¿Qué estás intentando decir realmente aquí?” Me ayudó a encontrar un sonido que es a la vez cinematográfico e íntimo, reconociblemente mío pero abierto a un lenguaje internacional.
El álbum cuenta con un amplio equipo de músicos. ¿Qué
buscabas en cada uno de ellos?
No buscaba solo “habilidad”, buscaba personas que pudieran habitar emocionalmente las canciones. Cada músico aportó un color específico: la calidez del Hammond, la elegancia del piano, la fisicalidad de la batería, los arreglos orquestales que casi “respiran” junto a la voz. Quería músicos capaces de tocar menos cuando era necesario, que entendieran que el silencio y el espacio también forman parte del arreglo. Al final, se sintió como una pequeña orquesta de historias humanas, no solo de instrumentos.
¿Hubo alguna colaboración que transformara por completo
una canción respecto de tu idea original?
Sí, “È tutto così vero” es un buen ejemplo. La versión original era más minimalista, casi como una confesión íntima en una habitación pequeña. Trabajando juntos, la abrimos, dándole un pulso más latino, más físico, algo que pudiera vivir tanto en un teatro italiano como en una calle de Buenos Aires o La Habana. Más tarde, con “El mundo es verdadero” y la colaboración con Pandi, la canción viajó aún más lejos: se convirtió en un puente entre lenguajes y culturas que solo había imaginado cuando la escribí.
La identidad visual del proyecto también es muy
llamativa. ¿Cómo fue trabajar con Luca Guarneri y Gianluca Scalia?
Con Luca Guarneri, la fotografía se convirtió casi en una sesión psicológica. Tiene la capacidad de capturar el instante exacto en que una máscara cae y algo verdadero aparece en los ojos, aunque sea por un segundo. Gianluca Scalia, con los videos, tradujo esa vulnerabilidad en movimiento y narrativa. Trabajamos con símbolos: calles de noche, espacios íntimos, cuerpos en tensión, pequeños rituales. La idea era crear un universo visual donde el espectador pudiera sentirse dentro de la misma dimensión de “21grammi”, no solo viendo un videoclip, sino entrando en una confesión.
¿Hay alguna canción que represente más tu renacimiento
personal?
“Di estate non si muore” representa para mí un momento fuerte de renacimiento. Hay una conciencia agridulce en esa canción: la idea de que seguimos sobreviviendo incluso cuando estamos seguros de que no podemos. Contiene nostalgia y una luz obstinada, como el último sol de agosto que no quiere ponerse. Cuando la canto en vivo, siento que le hablo a las versiones de mí mismo que pensaron que todo había terminado, y les aseguro que, de algún modo, todavía estamos aquí.
¿Hay algún momento del proceso de grabación en TRP
Studios que recuerdes con especial intensidad?
Recuerdo muy claramente una noche trabajando en las cuerdas. La TRP Studio Orchestra estaba grabando y, en un momento, durante un pasaje especialmente emotivo, dejé de mirar la partitura y simplemente escuché. Sentí que el álbum ya no era “mío”: se había convertido en una criatura viva y compartida, llevada por muchos corazones y manos. En ese momento entendí que el peso que intentaba medir con 21grammi no era solo mío, sino algo profundamente colectivo.
¿Qué influencias no musicales aparecen en 21grammi?
(cine, filosofía, literatura).
El cine es una influencia enorme: la película “21 Grams”, por supuesto, pero también directores que trabajan con el tiempo fragmentado y el realismo emocional, como Iñárritu, Almodóvar, Sorrentino. Filosóficamente, me atrae mucho la idea del devenir constante: esa sensación heraclítea de que todo fluye y nada permanece fijo. En la literatura, llevo conmigo la introspección de ciertos escritores italianos y latinoamericanos que mezclan lo cotidiano con lo metafísico. Todo eso entra en las canciones como imágenes, atmósferas, preguntas más que como respuestas claras.
¿Qué descubriste sobre vos mismo mientras hacías este
álbum?
Descubrí que mi fragilidad no es un obstáculo, sino un lenguaje. Durante mucho tiempo intenté ocultar ciertas partes de mí: mis miedos, mis dudas, mi sentido de insuficiencia. En 21grammi decidí dejar que hablaran, ponerlas en el centro en lugar de en los márgenes. También descubrí que soy mucho más “internacional” de lo que pensaba, no en un sentido comercial, sino en la forma en que mis emociones pueden resonar en personas que no comparten mi idioma, pero reconocen las mismas heridas y esperanzas.
Se acerca el 21Uniradio Tour 2025. ¿Cómo van los
preparativos para esta mini-gira?
Los preparativos son intensos y muy emotivos. La idea de llevar 21grammi a radios universitarias italianas es importante para mí, porque las universidades son lugares donde las identidades todavía se están formando, cuestionando, reinventando —exactamente de lo que habla el álbum. Estamos trabajando en sets en vivo íntimos, momentos de relato, y conversaciones con estudiantes y locutores, no solo presentaciones. Lo veo como un “diario de almas” itinerante: una forma de recoger nuevas historias, rostros y preguntas que seguirán moldeando mi música incluso después de que termine la gira.