Country from the Soul: A Conversation with Brian Mullins

Brian Mullins is one of those artists for whom music does not function as a product, but as an act of memory. Raised between the hills of West Virginia and the deep South of Georgia, his life has been shaped by relocations and difficult decisions. Far from the artifices of spectacle, Mullins builds a narrative-driven country sound in which every verse seeks to tell something true and every melody carries the weight of lived experience.

In Hills Of West Virginia, the physical return to his place of origin becomes a journey through memory: a confrontation between remembrance and change, between nostalgia and acceptance. Recorded independently in his own studio, the song encapsulates much of his artistic philosophy—a deep commitment to storytelling and to creating music that connects with the heart of the listener.

In this interview, Brian Mullins reflects on his beginnings, the influences that shaped his sound, and the path that led him, after many years, to return home—and to turn that return into song.

 

Do you remember how your passion for music first began?

My mother told me that I was singing and dancing when I was 6 years old and always had to be the center of attention. I got my first guitar, a Fingerhut special, when I was 12 years old. You had to push those strings down so hard to hear a chord. I played and played that thing till my fingers bled. I bought a Tascam 4 track recorder that let you record tracks and then record them on a cassette. I would record me singing and playing guitar on that thing and I would play it for everyone. From the time I was 12 till now, the passion to sing and write songs have never left me. I was in Choir in school from 6th grade till 11th grade. After High School I started a band with some friends and we sang around in local clubs and bars for a couple years. I had written a song about my first wife called “I’m in Love with You” and was offered a recording contract for that single but then found out my wife had become pregnant and I didn’t want to be an absent father to my child like mine was to me, so I turned it down. I continued to sing in clubs till our band broke up and then did karaoke for a while. I was in my church choir for 11 years through my 20s. When I was 31, I decided I wanted to go to college so I enrolled in Grand Canyon University and 3 years later graduated with my Bachelors degree. I loved college so much, lol, that I went on to Tennessee Temple University and earned 2 Master degrees, then to Capella University to earn my MPA and then finally to Andersonville Theological Seminary to earn my D.MIN in Pastoral Counseling. I Started a 501C Non-Profit Organization in 2014 “Mobile Care Ministry Inc” and when Covid hit and no one could work, I started my own Janitorial Cleaning Company “Above and Beyond Janitorial Services LLC.” Now that I had steady income and my family was secure, I turned back to my first love, Music, and in January of 2025 I started my own Record Label “Hillbilly Records” and “Brian Mullins Music.” I knew that after I released my first album, that I wouldn’t have as much time to write and record like I wanted to so between January and October 2025, before my first album was released, I recorded and finished 45 songs so that I could worry about promotion of my music and building a fanbase and not have to worry if the next song was going to be finished. I release one song a month for 12 months and then compile them into an album. That way each song gets the spotlight, and you’re not trying to market and promote 12 songs at one time.

 

You grew up between West Virginia and Georgia. How do those places interact within your musical identity?

I was born in West Virginia and I lived there until I was 12 years old. During my time there I was emersed in country and Christian music. Artists like Conway Twitty, George Strait, George Jones, Hank Williams Jr, Oak Ridge Boys, Statler Brothers, Alabama, Kenny Rodgers, Ronnie Milsap, Steve Warnier, Earl Thomas Conley, Keith Whitley, Dan Seals, The Judds and Randy Travis were who influenced me at this time in my life. In 1986 my mom, baby sister and I moved to Georgia and for the first time in my life, I was exposed to Bon Jovi, Def Leopard, Motley Crue, Guns and Roses, Bryan Adams, Poison, Lynyrd Skynyrd, Firehouse, etc and they influenced me during the mid-80s into early 90s. Then in the 90s came Boyz II Men, Backstreet boys, Collin Raye, and all those 90s great country singers. So having been a part of all that music influence, I try to portray that in every song I write and record. I try to put my heart and emotions into like Conway would on every song. I try to tell the story like Randy Travis or George Strait would and I try to put raw grit into it like Luke Combs or Morgan Wallen would.

 

Which artists have influenced you throughout your musical journey? Was there a particular artist or album that made you think, “this is how I want to tell stories”?

When I think of artists who influenced me and the sound I try to create with every song, I think back to my childhood and remember artists like Conway Twitty, Kenny Rodgers, George Strait, Bon Jovi, Whitney Houston and George Jones. These artists shaped my thoughts and feelings on what music should sound like. What I mean by that is they all poured their souls into their music and made iconic songs. For example, think about the emotions in the following songs. 1. “I Will Always Love You”-Whitney Houston 2. “Hello Darlin”-Conway Twitty 3. “Always”-Bon Jovi 4. “He Stopped Loving Her Today”-George Jones 5. “Lady”-Kenny Rodgers 6. “You Look So Good in Love”-George Strait My goal, hope and prayer for every song I sing and write is to make people feel about that song, the way they still feel about these iconic songs nearly 45 years later.

 

Your music relies heavily on storytelling. Do you see yourself primarily as a storyteller or as a performer?

Oh, without a shadow of a doubt, a storyteller. Can I get on stage and give an exciting hear throbbing performance? Yes, but I would much rather sit on a barstool in the center stage with a microphone and guitar and sing my heart out to you. I’m not about the half-naked girls doing choreography dances in the background or the fireworks going off beside the stage or being let down on a stage in a cage with smoke and flashing lights going around everywhere. Anybody can be an entertainer! I can train anyone to get on a stage and entertain others. Not everyone can sing, carry a tune or connect with people’s hearts and souls on a deep level. That takes talent! Some are born with it and some aren’t.

 

You recorded the track on your own label and in your own studio, Hillbilly Records. What is it like working in that environment? What have you learned as a producer that you hadn’t considered before when you were only a musician?

Yes, I record all my songs in my Home Studio “Hillbilly Records.” Its great working in that environment. Especially since I work a full-time job on top of owning a Janitorial Cleaning company and running a Non-Profit. I don’t have time to drive hours away to a recording studio and spend hours laying a track down. So, it’s been a blessing from God to be able to buy the equipment that I need and be able to make music on my timetable. I’m an early riser and I usually get up around 2am every morning. I can walk into the studio, put my headphone on and work on a song without disturbing anyone else. Things I’ve learned as a producer is that louder is not always better and bigger is not always better. As a musician, when you’re performing on stage, you think the louder we are, the better they’ll like it. The bigger speakers we have the better sounding. In the studio, that’s not the case at all. In the studio you want crystal clear sounding monitor speakers that let you hear every detail so you can work out the crinks. My small Mackie CR3s let me do that but I couldn’t if I hooked up my big 18s, I use on stage. Also, I don’t need a 24-channel mixer to get studio quality sound. On stage I want my Sure SM58 mic but in the studio, I want my Rhode NT1 Condensor Mic. Just things are different and you learn as you go. I use an Intel Core I9 computer with a Soundcraft Signature 12 unpowered mixer, 2 Mackie CR3 studio monitors, a Focusrite Scarlett 8i6 3rd Gen USB Audio Interface, a Novation Launchkey 61 MK4 Midi and a Rhode-NT1 Cardioid Condenser Studio XLR Microphone. I use Pro Tools Studio, Hitmaker Expansion, Waveform Pro, Ableton Live Standard and dozens of plug ins like Auto-Tune, Antares, Brainworx, Softube, Landr, XLN Audio, Relab. Etc to get the sound you hear today. If I can’t find the sound or effect I’m looking for, I have friends who are recording engineers who can direct me in the right direction.

 

What is your writing process like?

For me it’s like a light bulb turns on in my head. Often, it’s those life events that make you feel the deepest emotions. In other words, those heartaches that hurt you the most, for example my songs “My Forever Song” and “Why Didn’t You Want Me” or those memories that make you feel the happiest you ever had, for example my songs “Growing Up in Georgia” which comes out in March or “Hills of West Virginia,” my current release. Sometimes I’m inspired by a story someone tells me for example “Never Say Forever.” For me the process is I’m inspired by something I see, hear or experienced, then I write down my thoughts, possible titles and start writing the story. Then I will send my song to a professional friend in Nashville who critiques the song and gives recommendations. This goes back and forth for a few weeks and when the words are ready, the I decide what mood, emotion, tempo, etc., I want to achieve from the song. After that is constructed now it’s time to start laying down tracks until the song is finished. My mission for every song I write and sing is to weave true life stories into melodies that resonate with and captivate the heart and soul of my audience. I want them to feel hurt, happy, proud or whatever emotion I’m trying to ignite in them. I believe that’s the goal for every singer and songwriter or at least it should be. Many elements go into this step such as the mood, tempo, what key, the emotions to arise out of people, etc. Some things that help with this is first knowing the audience, you want to resonate with. Put yourself in their shoes. If you close your eyes and listen to the song, what do you feel? What memories come back? Would you buy this song? Is it memorable? Does it arise your desired emotion? All of these things will help you in your songwriting process.

 

Looking ahead, what new directions or themes will you explore in future albums?

Most of my songs up to now have been mostly traditional country or traditional Christian. The album that I’m working on now “Here I Am” will still have traditional country and Christian songs but will also include songs that explore the pop and soft rock side. For example, on this album will be a song called “Here I Am”, the album title, which will have a country, pop, soft rock feel to it. The song is about me growing up and most of my family and friends telling me that I would never make it in the music business because I didn’t have the looks, the money, the connections or even sound good enough but yet as the song says “Here I Am.”, The vocals on the song is kind of like Luke Combs meets Bon Jovi.” It’s a totally awesome song I wrote and I hope it’s a hit with fans. Another song on the album that I’m excited for is called “Remembering the Good Times.” This song I was inspired to write after sitting on my front porch with some Gen X friends and talking about our lives back in the 80’s. The song is all about growing up as a teenager in the 80’s. It has more of a Country/ Pop feel and is like Backstreet Boys meets Dan and Shay Vocals. It’s a really great song that I think will be popular among fans especially Generation X.

 

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Country desde el alma: Una conversación con Brian Mullins

Brian Mullins es uno de esos artistas para quienes la música no funciona como un producto, sino como un acto de memoria. Criado entre las colinas de West Virginia y el sur profundo de Georgia, su vida atravesó mudanzas y decisiones difíciles. Lejos de los artificios del espectáculo, Mullins construye un country de raíz narrativa, donde cada verso busca decir algo verdadero y cada melodía carga con el peso de la experiencia vivida.

En Hills Of West Virginia, el regreso físico a su lugar de origen se transforma en un viaje de memorias: la confrontación entre el recuerdo y el cambio, entre la nostalgia y la aceptación. Grabado de manera independiente en su propio estudio, el tema resume gran parte de su filosofía artística: una gran vocación por contar historias que conecten con el corazón de la gente.

En esta entrevista, Brian Mullins reflexiona sobre sus comienzos, las influencias que marcaron su sonido, y el camino que lo llevó, después de muchos años, a volver a casa —y a convertir ese regreso en canción.

 

¿Recordás cómo nació tu pasión por la música?

Mi madre me contó que ya cantaba y bailaba cuando tenía 6 años y que siempre necesitaba ser el centro de atención. Recibí mi primera guitarra, una Fingerhut especial, cuando tenía 12 años. Había que presionar esas cuerdas con muchísima fuerza para que sonara un acorde. Toqué y toqué esa guitarra hasta que me sangraban los dedos. Compré una grabadora Tascam de 4 pistas que te permitía grabar capas y luego pasarlas a un cassette. Me grababa cantando y tocando la guitarra y se lo hacía escuchar a todo el mundo.

Desde los 12 años hasta hoy, la pasión por cantar y escribir canciones nunca me abandonó. Estuve en el coro de la escuela desde sexto hasta undécimo grado. Después de la secundaria formé una banda con algunos amigos y cantamos en clubes y bares locales durante un par de años. Había escrito una canción sobre mi primera esposa llamada “I’m in Love with You” y me ofrecieron un contrato discográfico para ese single, pero luego supe que mi esposa estaba embarazada y no quería ser un padre ausente para mi hijo, como lo fue el mío conmigo, así que lo rechacé.

Seguí cantando en clubes hasta que la banda se separó y luego hice karaoke por un tiempo. Estuve en el coro de mi iglesia durante 11 años, a lo largo de mis veintes. A los 31 decidí ir a la universidad y me inscribí en Grand Canyon University; tres años después me gradué con mi licenciatura. Me gustó tanto la universidad —risas— que luego fui a Tennessee Temple University y obtuve dos maestrías, después a Capella University para obtener mi MPA y finalmente a Andersonville Theological Seminary para obtener mi Doctorado en Ministerio en Consejería Pastoral.

En 2014 fundé una organización sin fines de lucro 501C llamada Mobile Care Ministry Inc, y cuando llegó el Covid y nadie podía trabajar, inicié mi propia empresa de limpieza, Above and Beyond Janitorial Services LLC. Una vez que tuve ingresos estables y mi familia estuvo segura, volví a mi primer amor: la música. En enero de 2025 lancé mi propio sello discográfico, Hillbilly Records, y Brian Mullins Music.

Sabía que después de lanzar mi primer álbum no tendría tanto tiempo para escribir y grabar como quería, así que entre enero y octubre de 2025, antes de que se publicara ese álbum, grabé y terminé 45 canciones. De ese modo podía concentrarme en la promoción y en construir una base de fans sin preocuparme por si la próxima canción estaría lista. Lanzo una canción por mes durante 12 meses y luego las compilo en un álbum. Así, cada canción tiene su momento y no intento promocionar 12 temas al mismo tiempo.

 

Creciste entre West Virginia y Georgia. ¿Cómo dialogan esos lugares en tu identidad musical?

Nací en West Virginia y viví allí hasta los 12 años. Durante ese tiempo estuve completamente inmerso en la música country y cristiana. Artistas como Conway Twitty, George Strait, George Jones, Hank Williams Jr., Oak Ridge Boys, Statler Brothers, Alabama, Kenny Rogers, Ronnie Milsap, Steve Wariner, Earl Thomas Conley, Keith Whitley, Dan Seals, The Judds y Randy Travis fueron mis principales influencias en esa etapa de mi vida.

En 1986, mi mamá, mi hermana menor y yo nos mudamos a Georgia y, por primera vez, estuve expuesto a Bon Jovi, Def Leppard, Mötley Crüe, Guns N’ Roses, Bryan Adams, Poison, Lynyrd Skynyrd, FireHouse, entre otros, que me influenciaron desde mediados de los 80 hasta principios de los 90. Luego, en los 90, llegaron Boyz II Men, Backstreet Boys, Collin Raye y todos esos grandes cantantes country de esa década.

Habiendo sido parte de todas esas influencias musicales, trato de reflejarlas en cada canción que escribo y grabo. Intento poner mi corazón y mis emociones como lo hacía Conway en cada tema. Trato de contar la historia como lo harían Randy Travis o George Strait, y de aportar crudeza y fuerza como Luke Combs o Morgan Wallen.

 

¿Qué artistas te influenciaron a lo largo de tu recorrido musical? ¿Hubo algún artista o disco que te hiciera pensar: “así es como quiero contar historias”?

Cuando pienso en los artistas que me influenciaron y en el sonido que intento crear en cada canción, vuelvo a mi infancia y recuerdo a Conway Twitty, Kenny Rogers, George Strait, Bon Jovi, Whitney Houston y George Jones. Estos artistas moldearon mi forma de pensar y sentir cómo debería sonar la música.

Lo que quiero decir con eso es que todos ellos volcaron su alma en su música y crearon canciones icónicas. Por ejemplo, pensá en las emociones de estas canciones:

“I Will Always Love You” – Whitney Houston

“Hello Darlin’” – Conway Twitty

“Always” – Bon Jovi

“He Stopped Loving Her Today” – George Jones

“Lady” – Kenny Rogers

“You Look So Good in Love” – George Strait

Mi objetivo, esperanza y oración en cada canción que escribo y canto es lograr que la gente sienta algo parecido a lo que todavía siente con estas canciones icónicas casi 45 años después.

 

Tu música se apoya mucho en la narrativa. ¿Te considerás principalmente un narrador o un intérprete?

Oh, sin lugar a dudas, un narrador. ¿Puedo subir a un escenario y dar una actuación emocionante y potente? Sí. Pero preferiría mil veces sentarme en un taburete en el centro del escenario con un micrófono y una guitarra y cantarte desde el corazón.

No me interesa el espectáculo de chicas semidesnudas bailando coreografías detrás, los fuegos artificiales al costado del escenario o bajar en una jaula con humo y luces intermitentes por todos lados. ¡Cualquiera puede ser un entertainer! Puedo entrenar a cualquiera para subir a un escenario y entretener. Pero no todos pueden cantar, afinar o conectar con el corazón y el alma de las personas a un nivel profundo. Eso requiere talento. Algunos nacen con eso y otros no.

 

Grabaste el tema en tu propio sello y estudio, Hillbilly Records. ¿Cómo es trabajar en ese entorno? ¿Qué aprendiste como productor que antes no tenías en cuenta cuando solo eras músico?

Sí, grabo todas mis canciones en mi estudio casero, Hillbilly Records. Es genial trabajar en ese entorno, especialmente porque tengo un trabajo de tiempo completo, además de ser dueño de una empresa de limpieza y dirigir una organización sin fines de lucro. No tengo tiempo para manejar horas hasta un estudio de grabación y pasar horas grabando una pista. Así que ha sido una bendición de Dios poder comprar el equipamiento que necesito y hacer música a mi propio ritmo.

Soy madrugador y normalmente me levanto alrededor de las 2 de la mañana. Puedo entrar al estudio, ponerme los auriculares y trabajar en una canción sin molestar a nadie.

Como productor aprendí que más fuerte no siempre es mejor y que más grande tampoco es necesariamente mejor. Como músico en el escenario, uno piensa que cuanto más fuerte tocamos, más le va a gustar al público, o que cuanto más grandes los parlantes, mejor suena todo. En el estudio eso no es así. En el estudio necesitás monitores con sonido cristalino que te permitan escuchar cada detalle para corregir imperfecciones. Mis pequeños Mackie CR3 me permiten hacer eso, cosa que no podría lograr si conectara los grandes parlantes de 18 pulgadas que uso en vivo.

Tampoco necesito una consola de 24 canales para lograr sonido de calidad de estudio. En el escenario quiero mi micrófono Shure SM58, pero en el estudio quiero mi condensador Rhode NT1. Son simplemente contextos distintos y uno aprende sobre la marcha.

Uso una computadora Intel Core i9 con una consola Soundcraft Signature 12 sin amplificar, dos monitores Mackie CR3, una interfaz Focusrite Scarlett 8i6 de tercera generación, un Novation Launchkey 61 MK4 MIDI y un micrófono de condensador cardioide Rhode NT1 XLR. Trabajo con Pro Tools Studio, Hitmaker Expansion, Waveform Pro, Ableton Live Standard y decenas de plugins como Auto-Tune, Antares, Brainworx, Softube, Landr, XLN Audio, Relab, entre otros, para lograr el sonido que se escucha hoy. Si no encuentro el sonido o efecto que busco, tengo amigos ingenieros de grabación que me orientan en la dirección correcta.

 

¿Cómo es tu proceso de escritura?

Para mí es como si se encendiera una bombita en la cabeza. Muchas veces son esos eventos de la vida los que despiertan las emociones más profundas. En otras palabras, los dolores que más te lastiman —como en mis canciones “My Forever Song” y “Why Didn’t You Want Me”— o los recuerdos que te hacen sentir la mayor felicidad, como “Growing Up in Georgia”, que sale en marzo, o “Hills of West Virginia”, mi lanzamiento actual.

A veces me inspiro en historias que alguien me cuenta, como en “Never Say Forever”. Mi proceso es así: algo que veo, escucho o experimento me inspira; escribo mis pensamientos, posibles títulos y comienzo a desarrollar la historia. Luego envío la canción a un amigo profesional en Nashville que la critica y me da recomendaciones. Esto va y viene durante algunas semanas y, cuando la letra está lista, decido qué clima, emoción y tempo quiero lograr. Después empiezo a grabar las pistas hasta que la canción queda terminada.

Mi misión con cada canción que escribo y canto es entrelazar historias reales de la vida con melodías que conecten y cautiven el corazón y el alma del público. Quiero que sientan dolor, felicidad, orgullo o la emoción que intento despertar. Creo que ese debería ser el objetivo de todo cantante y compositor. Muchos elementos influyen en esto: el clima, el tempo, la tonalidad, las emociones que querés generar. Ayuda mucho conocer al público al que querés llegar y ponerte en su lugar. Si cerrás los ojos y escuchás la canción, ¿qué sentís? ¿Qué recuerdos vuelven? ¿Comprarías esta canción? ¿Es memorable? ¿Despierta la emoción deseada? Todo eso te ayuda en el proceso de composición.

 

De cara al futuro, ¿qué nuevas direcciones o temáticas vas a explorar en próximos álbumes?

La mayoría de mis canciones hasta ahora han sido country tradicional o cristianas tradicionales. El álbum en el que estoy trabajando ahora, Here I Am, seguirá teniendo country y música cristiana, pero también incluirá canciones que exploran el pop y el soft rock.

Por ejemplo, habrá una canción llamada “Here I Am”, que da título al álbum, con un sonido country, pop y soft rock. Habla de mi crecimiento personal y de cómo muchos familiares y amigos me decían que nunca iba a lograrlo en la industria musical porque no tenía la imagen, el dinero, los contactos o incluso la voz suficiente. Y sin embargo, como dice la canción: “Here I Am”. Las voces son algo así como Luke Combs mezclado con Bon Jovi. Es una canción increíble y espero que conecte con el público.

Otra canción del álbum que me entusiasma mucho se llama “Remembering the Good Times”. Me inspiré para escribirla después de estar sentado en el porche de mi casa con amigos de la Generación X hablando de nuestras vidas en los años 80. La canción trata sobre crecer como adolescente en esa década. Tiene un aire country-pop, como Backstreet Boys mezclado con Dan + Shay. Creo que será muy popular, especialmente entre la Generación X.

 

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