In a global
context marked by polarization and xenophobia—particularly in the United
States—Zoolook understands music not only as an aesthetic expression, but also
as a tool for awareness and resistance. With Power of the People (Remix), the
multidisciplinary Afrofuturist artist revisits the tradition of 1970s soul to
engage directly with the present. Inspired by figures such as Bob Marley,
Marvin Gaye, and Nina Simone, Zoolook constructs a sonic language in which
past, present, and future converge, and where the question “Can you see
yourself through me?” functions as one of the central axes of his work.
Power of
the People (Remix) speaks out against xenophobia and social injustice. Was the
current political and social climate a factor in revisiting the song at this
specific historical moment, or does that concern stem from a more personal
experience?
It absolutely stemmed directly from the current political and social climate in the US. When I first started writing this song, the original title was Power to the People. I wanted to commend the soul rebels who were taking a stand against an administration that thrived on division and hostility towards anyone who challenged it. The rhetoric coming from the current president and his administration felt openly antagonistic, especially toward immigrants and marginalized communities. The constant attacks on the news media outlets and the consistent normalization of insults and misinformation became a calling for me to take action and write this song.
I ultimately changed the song’s name to “Power of the People” after witnessing Senator Cory Booker’s 25+ hour Senate floor speech. In his remarks, he repeatedly used the phrase, “the power of the People is always greater than the people in power.”
In the
press release, you talk about empathy as a form of resistance. Do you believe
music can still generate that kind of collective awareness today?
Yes, I do! Music can serve as a powerful messenger. It has a unique ability to evoke emotions and memories that resonate with listeners on personal levels. When music is shared in a communal setting, these emotional responses can lead to a stronger sense of unity.
Historically, songs have played critical roles in social movements, fostering solidarity and motivating change. Songs like Marvin Gaye’s “What’s Going On, addressed issues of social injustice, war, and civil rights, while Buffalo Springfield’s “For What It’s Worth” became an anthem for the anti-war and civil rights movements, capturing societal unrest.
The
remix deliberately evokes 1970s soul and psychedelia. What draws you to that
musical decade, and how does it resonate with the present?
I grew up listening to my dad’s vinyl records, spanning multiple genres. One of my favorite tracks is Bobby Womack’s Across 110th Street, a raw, unromantic portrait of survival, desperation, and moral tension in inner-city America, specifically Harlem during the early 1970s. I knew that I had to go back in time to create a track that felt raw like the many anthems of the 70s!
Other tracks that are so inspiring to me include Curtis Mayfield’s Little Child Runnin’ Wild. Mayfield was a genius, a Mad Scientist!
You
define your work within an Afrofuturist aesthetic. How does Afrofuturism
manifest in your music beyond the visual or conceptual aspects?
To me, Afrofuturism isn’t primarily visual. It’s also temporal. I think of it as collapsing the past, present, and future into the same sonic space. In the music, that shows up in how I pull from ancestral rhythms, 70s soul, dub, jazz, and early electronic music, and then process them through modern production and futuristic sound design. I think of it as a conversation across time.
Your
influences include Bob Marley, Marvin Gaye, and Nina Simone. What have you
learned from them as socially engaged artists, beyond the musical level?
What I learned from Bob Marley, Marvin Gaye, and Nina Simone was to speak the truth with moral clarity, integrity, and responsibility.
From Bob Marley, I learned that speaking the truth required conviction, not anger. His discography showed me how spiritual grounding and political awareness can coexist without canceling each other out. From Marvin Gaye, I learned the power of vulnerability as a form of resistance. Marvin Gaye risked comfort and approval to ask the difficult questions about war, poverty, and injustice.
From Nina Simone, I learned fearlessness. Nina Simone refused to soften her message for the sake of acceptability. She understood that discomfort is sometimes necessary for truth to land, and that an artist’s role isn’t to soothe power, but to challenge it.
Your
album Stonefrenge reveals other musical facets, such as soul, funk,
jazz, hip-hop, dub, and reggae. What was the production and recording process
like for that album?
STONEFRENGE: Black in Space is my first full album. I’ve produced a few mini-albums before this release for comic book and cartoon projects I made as a comic book writer/artist and an animator (Flash).
This was a 3-year journey that allowed me to explore different genres that inspired me and helped me become the multidisciplinary artist and musician I am today. Each track represents a distinct sound that demonstrates my ability to fuse different genres while also helping define my downtempo sound.
As a
multi-instrumentalist, where does your compositional process usually begin?
I always start my compositions with a bass line, followed by a drum track that supports, not fights, with the bass line. I play a 5-string STEINBERG Spirit bass and a Jazz Precision Fender bass. I still have my Yamaha DX7 along with a Novation mininova to finish the songs.
As a
filmmaker and director as well, what have you learned from audiovisual language
that you later apply to your music?
Working as a filmmaker and director taught me some valuable lessons. In film, pacing, framing, and editing determine how an audience feels before they understand why. I apply that same logic to my music.
I think of tracks in terms of scenes and cuts. Dynamics function like camera movement, silence works like a hard cut or a wide shot, and repetition builds tension the way a lingering frame does. I’m less interested in constant stimulation than in guiding the listener’s attention—deciding when to hold back and when to reveal. One of my trademarks in making music is to start a song with its bridge to pull the listener in.
Audiovisual language also taught me that you don’t need to show everything on screen for an audience to feel it, and you don’t need to over-explain in music either.
Filmmaking has sharpened my awareness of structure, rhythm, and emotional timing. It has helped me approach music not just as sound, but as narrative, something that unfolds, breathes, and leaves an afterimage.
How does
your work as a graphic designer, animator, and visual artist influence
Zoolook’s sonic identity?
My background as a graphic designer, animator, and visual artist shapes how I hear music before I even make it. For example, Animation, in particular, has influenced my sense of timing. I am aware of the pacing, transitions, and how long a moment needs to breathe before it cuts or evolves. That’s why a lot of my music feels cinematic or episodic. My music feels like it is designed to move through scenes rather than repeat sections.
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En este contexto global de polarización y xenofobia, particularmente
en USA, Zoolook entiende la música no solo como expresión estética, sino también
como una herramienta de conciencia y resistencia. Con Power of the People
(Remix), el artista multidisciplinario y afrofuturista retoma la tradición
del soul de los años setenta para dialogar directamente con el presente.
Inspirado por figuras como Bob Marley, Marvin Gaye y Nina Simone, Zoolook
construye un lenguaje sonoro donde pasado, presente y futuro convergen, y donde
la pregunta “Can you see yourself through me?” funciona como uno de los eje de
su obra.
“Power of the People (Remix)” se manifiesta contra la
xenofobia y la injusticia social. ¿El clima político y social actual fue un
factor para retomar la canción en este momento histórico específico, o esa
preocupación surge de una experiencia más personal?
Surgió absolutamente de manera directa del clima político y social actual en Estados Unidos. Cuando empecé a escribir esta canción, el título original era Power to the People. Quería reconocer a los rebeldes del alma que estaban plantándose frente a una administración que prosperaba a partir de la división y la hostilidad hacia cualquiera que la desafiara. La retórica proveniente del presidente actual y de su administración se sentía abiertamente antagonista, especialmente hacia los inmigrantes y las comunidades marginadas. Los ataques constantes a los medios de comunicación y la normalización sostenida de los insultos y la desinformación se convirtieron para mí en un llamado a la acción y a escribir esta canción.
Finalmente cambié el nombre del tema a Power of the People después de presenciar el discurso de más de 25 horas del senador Cory Booker en el pleno del Senado. En sus palabras, repitió en varias ocasiones la frase: “el poder del pueblo siempre es mayor que el poder de quienes gobiernan”.
En el comunicado de prensa hablas de la empatía como una
forma de resistencia. ¿Crees que la música todavía puede generar hoy ese tipo
de conciencia colectiva?
¡Sí, lo creo! La música puede funcionar como un mensajero poderoso. Tiene una capacidad única para evocar emociones y recuerdos que resuenan con los oyentes a un nivel personal. Cuando la música se comparte en un contexto comunitario, esas respuestas emocionales pueden derivar en un sentido de unidad más fuerte.
Históricamente, las canciones han desempeñado roles fundamentales en los movimientos sociales, fomentando la solidaridad y motivando el cambio. Temas como “What’s Going On” de Marvin Gaye abordaron cuestiones de injusticia social, guerra y derechos civiles, mientras que “For What It’s Worth” de Buffalo Springfield se convirtió en un himno de los movimientos antibélicos y por los derechos civiles, capturando el malestar social de su tiempo.
El remix evoca deliberadamente el soul y la psicodelia de
los años setenta. ¿Qué te atrae de esa década musical y cómo dialoga con el
presente?
Crecí escuchando los discos de vinilo de mi padre, que abarcaban múltiples géneros. Una de mis canciones favoritas es Across 110th Street de Bobby Womack, un retrato crudo y nada romántico de la supervivencia, la desesperación y la tensión moral en la América urbana, específicamente en Harlem a comienzos de los años setenta. Sabía que tenía que volver atrás en el tiempo para crear una canción que se sintiera tan cruda como muchos de los himnos de los setenta.
Otros temas que me inspiran profundamente incluyen Little Child Runnin’ Wild de Curtis Mayfield. Mayfield era un genio, ¡un científico loco!
Definís tu trabajo dentro de una estética afrofuturista.
¿Cómo se manifiesta el afrofuturismo en tu música más allá de lo visual o
conceptual?
Para mí, el afrofuturismo no es principalmente visual. También es temporal. Lo pienso como el colapso del pasado, el presente y el futuro dentro de un mismo espacio sonoro. En la música, eso se expresa en cómo tomo ritmos ancestrales, soul de los setenta, dub, jazz y música electrónica temprana, y luego los proceso a través de una producción moderna y un diseño sonoro futurista. Lo concibo como una conversación a través del tiempo.
Entre tus influencias están Bob Marley, Marvin Gaye y
Nina Simone. ¿Qué aprendiste de ellos como artistas socialmente comprometidos,
más allá del plano musical?
De Bob Marley, Marvin Gaye y Nina Simone aprendí a decir la verdad con claridad moral, integridad y responsabilidad.
De Bob Marley aprendí que decir la verdad requiere convicción, no ira. Su discografía me mostró cómo el anclaje espiritual y la conciencia política pueden coexistir sin anularse mutuamente. De Marvin Gaye aprendí el poder de la vulnerabilidad como forma de resistencia. Marvin Gaye arriesgó comodidad y aprobación para formular preguntas difíciles sobre la guerra, la pobreza y la injusticia.
De Nina Simone aprendí la valentía absoluta. Nina Simone se negó a suavizar su mensaje en nombre de la aceptabilidad. Entendía que la incomodidad a veces es necesaria para que la verdad se asiente, y que el rol del artista no es tranquilizar al poder, sino desafiarlo.
Tu álbum Stonefrenge revela otras facetas musicales, como
soul, funk, jazz, hip-hop, dub y reggae. ¿Cómo fue el proceso de producción y
grabación de ese disco?
STONEFRENGE: Black in Space es mi primer álbum completo. Antes de este lanzamiento produje algunos miniálbumes para proyectos de cómics y dibujos animados que realicé como guionista y artista de historietas, y como animador (Flash).
Fue un recorrido de tres años que me permitió explorar distintos géneros que me inspiraron y que me ayudaron a convertirme en el artista y músico multidisciplinario que soy hoy. Cada tema representa un sonido particular que demuestra mi capacidad para fusionar géneros, al tiempo que ayuda a definir mi sonido downtempo.
Como multiinstrumentista, ¿dónde suele comenzar tu
proceso compositivo?
Siempre empiezo mis composiciones con una línea de bajo, seguida por una pista de batería que acompañe al bajo y no compita con él. Toco un bajo STEINBERG Spirit de cinco cuerdas y un Fender Jazz Precision Bass. Todavía conservo mi Yamaha DX7 junto con un Novation Mininova para terminar las canciones.
Como cineasta y director, ¿qué aprendiste del lenguaje
audiovisual que luego aplicás a tu música?
Trabajar como cineasta y director me enseñó lecciones muy valiosas. En el cine, el ritmo, el encuadre y el montaje determinan cómo se siente el público antes incluso de que entienda por qué. Aplico esa misma lógica a mi música.
Pienso las canciones en términos de escenas y cortes. La dinámica funciona como el movimiento de cámara, el silencio actúa como un corte seco o un plano general, y la repetición construye tensión del mismo modo que lo hace un encuadre sostenido. Me interesa menos la estimulación constante que guiar la atención del oyente, decidir cuándo contenerse y cuándo revelar. Uno de mis sellos al hacer música es comenzar una canción por el puente para atrapar al oyente.
El lenguaje audiovisual también me enseñó que no es necesario mostrarlo todo en pantalla para que el público lo sienta, y que tampoco hace falta sobreexplicar en la música.
El cine afinó mi conciencia sobre la estructura, el ritmo y el tiempo emocional. Me ayudó a abordar la música no solo como sonido, sino como narrativa: algo que se despliega, respira y deja una imagen persistente.
¿Cómo influye tu trabajo como diseñador gráfico, animador
y artista visual en la identidad sonora de Zoolook?
Mi formación como diseñador gráfico, animador y artista visual moldea la manera en que escucho la música incluso antes de crearla. La animación, en particular, influyó en mi sentido del tiempo. Soy consciente del ritmo, de las transiciones y de cuánto necesita respirar un momento antes de cortar o evolucionar. Por eso gran parte de mi música se siente cinematográfica o episódica. Mi música parece diseñada para desplazarse a través de escenas más que para repetir secciones.